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[德] 拜厄 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 北京联合

ISBN：9787559614377

商品编码：29733966618

开本：8

出版时间：2018-02-01

基本信息

• 商品名称：拜厄钢琴基本教程
• 作者：(德)拜厄
• 定价：28
• 出版社：北京联合
• ISBN号：9787559614377

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-02-01
• 印刷时间：2018-02-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：98
• 字数：180千字

内容提要

拜厄钢琴基础教程为学习钢琴演奏艺术的简易入门教科书，以儿童（包括学龄前幼儿）为对象。是初学钢琴者必修的教本。拜厄的钢琴教程经过一百多年的考验，仍被教师和学生所喜爱。拜厄钢琴基本教程是钢琴学习过程重要的基础教材，科学、规范地练习它，对学琴者钢琴演奏水平的发展和提高，有着**重要的作用。

作者简介

德国钢琴师，钢琴教育家。作品有大量简易改编曲、集锦曲、游嬉曲与幻想等钢琴乐曲。**教材《钢琴基本教程》为学习钢琴演奏艺术的简易入门教科书。

目录

琴谱

音乐之路的启明者：精选钢琴学习指南 第一部分：基础构建与乐理入门 《乐理之梯：从零开始的音乐思维构建》 本书旨在为音乐初学者、钢琴学习者以及希望系统梳理音乐基础知识的爱好者提供一套清晰、实用的乐理学习路径。我们深知，扎实的乐理基础是演奏和理解音乐的基石。 第一章：音的秘密——听觉的觉醒 本章首先探讨声音的物理属性，包括频率、波形与音高、音色、响度的关系。我们将详细解析西方十二平均律的构成，通过生动的图示和实践练习，帮助读者准确分辨和记忆基本音高。重点介绍五线谱的识读方法，从高音谱号、低音谱号的结构到线与间音的定位，确保读者能够快速、无误地阅读乐谱。此外，还涵盖了自然大调与小调的音阶结构，通过“全全半全全全半”的记忆口诀，引导读者理解调式的内在逻辑。 第二章：节奏的脉动——时间的艺术 节奏是音乐的骨架。本章深入讲解节拍的划分，包括拍号（如 2/4、3/4、4/4）的意义及其在乐谱中的指示作用。通过大量的击拍练习，读者将掌握不同时值的音符（全音符、二分音符、四分音符等）及其附点、休止符的精确时值计算。我们特别引入了复节奏和切分音的概念，这些在古典、爵士及流行音乐中至关重要的节奏型，将通过节奏听辨和视奏练习逐步被掌握。 第三章：和声的色彩——和弦的构建与功能 本章是音乐理论的核心部分。我们将从三和弦的构成开始，详细讲解大三和弦、小三和弦、增三和弦和减三和弦的构建原理及其听觉效果。随后，过渡到七和弦的扩展，特别是属七和弦的功能性分析。为方便演奏者理解，我们运用“主和弦（T）、下属和弦（S）、属和弦（D）”的唱名记忆法，解析基础的功能和声进行，使读者明白一段旋律背后的和声逻辑，为将来的即兴伴奏和和声分析打下坚实基础。 第四章：曲式与结构——音乐的建筑蓝图 音乐作品并非随意堆砌的音符，而是有着清晰的结构。本章介绍基础的曲式结构，如单二部曲式、三部曲式、回旋曲式（ABACA）以及奏鸣曲式的基本框架。通过分析莫扎特、贝多芬等大师的简化范例，读者能够学会“解构”音乐，识别主题的呈示、发展与再现，从而深化对作品的理解和记忆。 --- 第二部分：演奏技巧与曲目精选 《指尖的诗篇：钢琴演奏技法进阶与风格探索》 本书汇集了从初级到中级演奏者所需的关键技巧训练、不同风格曲目的精选范例，旨在全面提升演奏者的技术水平和音乐表现力。 第一章：触键的艺术——音色的雕琢 钢琴演奏的起点在于触键。本章摒弃了僵硬的“砸”琴观念，重点介绍“重量传导”的触键方法。详细分解了手指的站立姿势、手腕的灵活性训练（包括横向的“滚动”与纵向的“提拉”）。专门设立了“音量控制”练习模块，教授如何通过不同的触键速度和力度控制，实现从 pianissimo (极弱) 到 fortissimo (极强) 的平稳过渡，避免声音的突兀或颗粒感过重。 第二章：连贯性与速度的平衡 流畅的演奏依赖于指法的精准布局和速度的稳定。本章提供了大量的音阶、琶音和半音阶的系统性练习，强调“均匀度”优先于“速度”。引入了针对性的“指法标记”分析，指导读者如何根据乐谱的内在逻辑，选择最经济、最省力的指法方案。特别强调了八度和分解和弦的跨越技巧，通过手腕的辅助性移动，确保跨越后音色的连贯性。 第三章：踏板的魔法——空间与延音的运用 延音踏板是钢琴演奏的“呼吸”。本章系统讲解了右踏板（延音踏板）、左踏板（柔音踏板）和中音踏板（选择性延音踏板）的功能和使用时机。关键在于“换踏”的时机，通过听觉训练，教会读者如何做到“清晰换踏”，避免和声的混浊。我们提供了一系列基于和声进行变化的踏板标记示例，帮助读者将踏板的使用从机械操作提升到情感表达层面。 第四章：曲目赏析与风格演绎（中级精选） 本部分精选了巴洛克、古典主义和浪漫主义时期不同体裁的代表作品片段，旨在帮助学习者将前述技巧应用于实际演奏中。 巴洛克（赋格的逻辑）： 选取 J.S. 巴赫《初级钢琴曲集》中的对位练习片段，重点训练双手独立性与旋律线条的清晰呈现。 古典主义（清晰与平衡）： 选取海顿奏鸣曲或莫扎特奏鸣曲的慢板乐章，训练旋律与伴奏声部的清晰层次感，体会结构美感。 浪漫主义（歌唱性与情感）： 选取舒曼的《少年曲集》或门德尔松的《无言歌》片段，着重训练“歌唱性旋律”（Cantabile）的表达，学习如何通过揉搓力度来赋予乐句以人声的呼吸感。 第五章：视奏能力的强化训练 视奏是衡量钢琴演奏者综合能力的重要标准。本章提供了一套渐进式的视奏训练方案，从节奏简单的单音旋律开始，逐步过渡到和弦、跨越较大的段落。训练的重点在于“不中断”，强调眼睛要比手指看得远，培养对未来音符的预判能力，确保演奏的流畅性和音乐的完整性。 --- 第三部分：音乐欣赏与文化视野 《聆听世界：钢琴音乐的文化地图》 本书超越了技巧和乐谱本身，旨在拓宽学习者的音乐视野，培养高雅的音乐鉴赏能力，理解钢琴音乐在人类文化史中的地位。 第一章：键盘乐器的演变史 从古老的羽管键琴（Clavichord）和拨弦古钢琴（Harpsichord）到现代的三角钢琴，本章追溯了键盘乐器数百年的技术革新。重点分析了锤击机制的发明如何彻底改变了钢琴的动态范围和表现力。通过对比不同时期乐器对作曲家（如巴赫与贝多芬）创作的影响，理解乐器本身如何塑造了音乐风格。 第二章：钢琴文献的黄金时代 本章聚焦于钢琴音乐的巅峰时期。我们深入探讨了古典主义钢琴（海顿、莫扎特）的典雅与平衡，以及浪漫主义钢琴（肖邦、李斯特）的激情与炫技。特别分析了印象派作曲家（德彪西、拉威尔）如何利用钢琴的泛音和踏板，描绘光影与色彩，拓展了钢琴音色的表现极限。 第三章：演奏家与诠释的魅力 伟大的演奏是将乐谱转化为个体情感体验的过程。本章介绍了几位对钢琴艺术产生深远影响的演奏大师——从鲁宾斯坦的浪漫到吉泽金的理性，再到霍洛维茨的传奇性。通过对比同一首作品在不同大师录音中的处理差异，引导读者思考“忠实于原作”与“个人诠释”之间的辩证关系，认识到音乐诠释的多元性。 第四章：跨界融合与当代视野 钢琴音乐的生命力在于其适应性。本章探讨了钢琴在二十世纪以来的发展，包括二十音列、随机性音乐在钢琴上的应用，以及爵士钢琴、电影配乐中钢琴的独特角色。通过介绍当代作曲家如何利用钢琴的全部潜能，鼓励学习者以开放的心态迎接新的音乐表达方式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现，也是我极力推荐的原因之一。在学习初期，清晰的乐谱至关重要，稍有模糊或设计不佳，都会极大地增加阅读的负担和出错率。这本教材在这一点上做得非常出色，纸张的质感很好，不易反光，油墨清晰度极高。更重要的是，它在关键的音乐术语和表情记号的处理上，采用了对比鲜明的字体和颜色区分，比如力度记号会用粗体或稍微不同的色调标出，这样在快速阅读谱面时，眼睛能迅速捕捉到演奏的重点变化。我以前用的教材，很多时候为了省墨或节省版面，把一些重要的指示挤在角落里，很容易被忽略。而这本教材，似乎非常注重“教学流畅性”，它确保了你的注意力能够集中在音乐本身，而不是费力地去辨认教材的指示。这种对细节的关注，体现了编著者对实际教学场景的深刻理解，他们知道，每一次阅读上的停顿，都可能是一次学习动能的损失。

评分☆☆☆☆☆

这本书，说实话，刚拿到手的时候，我心里还是有点打鼓的。毕竟市面上钢琴教材多如牛毛，名字里带着“基本教程”的更是数不胜数，总担心是那种老掉牙、枯燥乏味，只管堆砌音阶和枯燥练习的玩意儿。但翻开第一页，我就发现我猜错了。它给我的感觉，更像是一位经验丰富的老教师，耐心地坐在你身边，不是直接给你一堆生硬的指令，而是用一种非常平易近人的方式，引导你慢慢地认识钢琴这个乐器。比如，它对乐理知识的引入，不是那种高高在上的理论灌输，而是巧妙地融入到每一个练习曲目中。你弹着弹着，自然而然地就理解了什么叫拍号，什么叫调性转换。更让我惊喜的是，它对指法的讲解，细致入微，每一个手指的触键力度、手腕的放松程度，都有非常清晰的图示和文字描述。这对于初学者来说简直是福音，因为它避免了早期养成错误的演奏习惯，这些习惯一旦形成，后期想要纠正就极其痛苦了。我感觉作者真的站在学习者的角度，去设计了每一个步骤的难度爬升曲线，既不会让你一开始就产生挫败感，又能在不断练习中感受到扎实的进步，那种“我正在变强”的成就感，是其他教材难以给予的。

评分☆☆☆☆☆

我用过几本号称“新颖”的教材，它们往往为了追求新奇，把基础训练搞得五花八门，结果学完一圈，发现核心的力度控制和节奏准确性反而成了短板。但这本教材，它做到了平衡——它极其尊重音乐学习的客观规律。它的每一单元的设置都像一个精密的齿轮系统，前一个知识点必然是后一个知识点的坚实基础。我尤其欣赏它在复调练习上的处理。很多教材在引入双手独立或简单的对位时处理得非常粗糙，导致学生要么一只手乱弹，要么两只手互相干扰。而这里的练习，从最开始就强调左右手的“对话感”，比如它设计的一些双声部练习，听起来虽然简单，但要求你的左手要有明确的“伴奏”角色，右手则要有清晰的“旋律”线条。这种早期对声部清晰度的训练，对于将来学习巴赫或者更复杂的室内乐作品，打下了非常重要的听觉和触觉基础。可以说，它不仅仅是在教你怎么弹音符，更是在塑造你对音乐结构层次的感知力。这是一种由内而外的训练，远比死记硬背几个技巧要来得实在和持久。

评分☆☆☆☆☆

随着学习的深入，我越来越体会到这本教材在“音乐性培养”上的独到之处。很多基础教材，到后面就变成了一连串的机械练习，技巧上去了，但弹出来的曲子却像机器人一样僵硬。这本教材似乎早就预见到了这种风险，它在中间部分穿插了一些精心挑选的小品。这些小品曲目，选材上非常巧妙，它们可能不是名家大作，但它们在结构上、和声进行上，具有极高的示范价值。作者通过这些曲子，潜移默化地向学习者灌输“音乐表达”的概念。比如，它会提示你在某个乐句需要“呼吸”，或者在某个和弦进行时需要“色彩变化”。这些指导不是强制性的要求，而更像是一种建议，鼓励学习者去思考“如果我是作曲家，我希望这段音乐听起来是什么感觉？”这种对主观诠释空间的保留和引导，让学习过程不再是单向的执行任务，而是双向的探索和创造，这对于培养一个有独立思考能力的钢琴学习者来说，是极其宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到意外的是，这本书在篇幅和内容的深度上找到了一个完美的平衡点。通常教材要么太薄，学完后感觉基础不牢；要么太厚，中间部分冗余信息太多，拖沓费时。这本教程的进度控制得非常精准，它没有用大量的重复练习来拉长篇幅，而是通过对不同风格和技巧的“递进式”组合，让你在有限的篇幅内，接触到尽可能广阔的音乐语言基础。举个例子，它对琶音的练习，不会让你在某一个调性上弹上几十页，而是通过不同指型、不同速度、不同强弱的组合变化，在短短几页内就完成了对该技巧的全面覆盖。这种高效的学习模式，极大地提高了我的学习效率，让我能够更快地将精力转移到更高级别的技术和艺术理解上。在我看来，一本好的基础教程，就应该像一个高效的过滤器，把所有必要的知识点浓缩并以最合理的方式呈现出来，而不是把时间浪费在无谓的重复和无效的堆砌上，而这本书，无疑是做到了这一点。