曲式与作品分析上册茅原庄曜编著人民音乐出版社正版全新课本9787103031087 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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茅原，庄曜 著

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• 曲式分析
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• 茅原庄曜
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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103031087

商品编码：29684814736

页数：572

图书基本信息
书名：	曲式与作品分析 上册
丛书名：	普通高等教育“十五”规划教材
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103031087
出版年份：	2007年4月

版次：	第1版
总页数：	572页
开本：	1/16
图书定价：	75.00元
实际重量：	1000 g
新旧程度：	正版全新

《普通高等教育"十五" 规划教材:曲式与作品分析(上册)》由人民音乐出版社出版。 

绪论 1.学科性质 1·1技术分析与美学分析 1·2研究音乐作品分析所需的知识结构 1·3音乐的自然属性与功能属性 1·4音乐的精神内涵 1·5音乐的形式与体裁 1·5·1体裁分类 1·5·2形式与体裁的区别 1·5·3形式的相对独立性 2.音乐的表现手段 2·1音乐的基本表现手段——音乐语言 2·1·1音乐语言与音乐形式的区别 2·1·2巴甫洛夫学说 2·1·3抽象的具象 2·1·4音乐与其反映的生活之间的中介 2·1·5格式塔心理学派的启示 2·1·6音乐语言实例分析 2·1·6·1旋律线 2·1·6·2节奏、速度、节拍 2·1·6·3调式、调性、和声 2·1·6·3·1功能性与色彩性 2·1·6·3·2调式色彩 2·1·6·3·3调性思维 2·1·6·3·4旋宫转调 2·1·6·3·5和声思维 2·1·6·4音区、音强、音色 2·1·6·5演奏法 2·1·6·6织体 2·1·6·6·1织体方式 2·1·6·6·2织体因素 2·1·6·6·2·1旋律 2·1·6·6·2·2长音 2·1·6·6·2·3和声 2·1·6·6·2·4对位（或复调）声部 2·1·6·6·2·5自由声部 2·1·6·6·3简单织体与复杂织体 2·1·6·6·4主调织体的类别 2·1·6·6·4.1合唱式织体 2·1·6·6·4·2伴奏音型式和声织体 2·1·6·6·4·2·1旋律加柱式和声 2·1·6·6·4·2·2旋律加和声音型化 2·1·6·6·4·2·3旋律加和声旋律化 2·1·6·6·4·2·4复杂织体 2·1·6·6·5复调织体的类别 2·1·6·6·5·1支声复调 2·1·6·6·5·2对比性复调 2·1·6·6·5·3模仿性复调 2·1·6·6·5·3·1卡农式模仿 2·1·6·6·5·3·2一般模仿 2·2整体的表现手段——曲式 2·2·1音乐思维的概括性与具体性 2·2·2曲式与曲式原则 2·2·2·1五种曲式原则 2·2·2·2黑格尔的形式律 2·2·3曲式功能 2·2·3·1主要曲式功能与次要曲式功能 2·2·4乐思的陈述型 2·2·4·1呈示型 2·2·4·2中间型 2·2·4·3引子型 2·2·4·4结束型 2·2·5主要旋律与次要旋律 2·2·6划分结构规模的要点——同分异合 2·2·6·1结构的计算 2·3·6·2结构规模的循环、分解与综合 2·2·7内容的单位——主题与动机 2·2·7·1主题与动机的定义与实例 2·2·7·2写作主题需要掌握的要点 2·2·7·2·1主题应该富有特点 2·2·7·2·2主题的层次性 2·2·7·2·3保留手段 2·2·8形成高潮与退出高潮 2·2·9主题加工与曲式发展的方法 2·2·9·1变奏与展开的界限 2·2·9·2派生性对比与并置性对比的界限 2·2·9·3化开 习题 章一部曲式 1.一部曲式的基本概念 1·1乐句 1·1·1乐节的停顿与乐句的停顿 1·1·2终止 1·1·2·1终止表现于和声方面 1·1·2·2终止表现于旋律方面 1·1·2·3联合音调 1·1·1·4终止表现在节奏方面 1·1·3区别内容的单位与形式的单位 2.独立乐句 3.乐段 3·1呼应 3·1·1重复不是呼应 3·1·2个乐句总是呼 3·1·3功能性呼应 3·1·4旋律性呼应 3·2乐段的不同属性 3·2·1陈述次数多少的差别 3·2·2收拢性与开放性的差别 3·2·3乐句结构等长与不等长的差别 3·2·4乐思陈述型的差别 3·2·5音乐材料异同的差别 3·3乐段的类别 3·3.1单乐段 3·3·1·1平行乐段 3·3·1·1·1分类阐述 3·3·1·1·2平行乐段小结 3·3·1·2对比乐段 3·3·1·2·1分类阐述 3·3·1·2·2对比乐段小结 3·3·1·3多乐句乐段 3·3·1·4发展性乐段 3·3·1·5单乐段分类表 3·3·2复乐段 3·3·2·1复乐段分类阐述 3·3·2·2复乐段小结 3·3·3多重复乐段 3·3·4乐句链子 3·3·5乐段小结 4.小结构分析 4·1小结构分析的意义 4·2标号方法 4·3勃拉姆斯《交响曲》主题与贝多芬《欢乐颂》主题的比较 4·4小结构例题分析 5.一部曲式复杂化 5·1附加引子和尾声 5·2补充与扩充 5·3加“连接”后再反复或变化反复或部分反复 5·4附加变奏 5·5闯入终止、重叠、隐匿终止 5·6乐段聚集 5·7其他 5·7·1插入因素 5·7·2句句双、加垛、吐珠、喷水等等 分析提示 习题 …… 第二章单二部曲式 第三章单三部曲式 第四章复三部曲式 第五章回旋曲式 第六章变奏曲式 

音乐作品分析是在曲式学的基础上发展而成的一门技术理论学科。20世纪20年代，我国的音乐院校已开设曲式学课程。曲式学是研究音乐作品曲式结构的课程，它只需要做技术分析。50年代才有了曲式与音乐作品分析课，简称“作品分析”。作品分析是把乐曲的形式与内容联系起来进行研究的一门课程，必须处理好技术分析与美学分析的关系。   

音乐学前沿探索：一部宏大叙事的音乐理论史诗 书名：《和声的交响：西方音乐理论的演进与应用》 作者： [虚构的知名音乐学家姓名，例如：阿道夫·冯·施特劳斯] 出版社： [虚构的权威学术出版社，例如：环球音乐学术前沿出版社] ISBN： [虚构的ISBN，例如：978-1-56789-012-3] 篇幅： 约1500页，精装典藏版 --- 图书简介： 《和声的交响：西方音乐理论的演进与应用》 是一部跨越数个世纪、体系宏大而内容精深的音乐理论专著。它并非聚焦于某一特定音乐时期的具体曲式结构，而是旨在为读者构建一个理解西方音乐从文艺复兴晚期萌芽到二十世纪复杂语境下理论基础的完整框架。本书深刻剖析了音乐思维如何随着历史的洪流而演变，揭示了看似僵硬的“规则”背后所蕴含的美学哲学与文化驱动力。 本书的结构设计力求逻辑严谨而又富有启发性，将理论发展划分为五个核心阶段，并辅以详尽的案例分析与实践指导。 --- 第一部分：调性基础的奠基（文艺复兴晚期至巴洛克早期） 本部分深入探讨了西方音乐语汇中调性（Tonality）概念的起源与初步形成。我们摒弃了传统教材中对教会调式（Modes）的简单罗列，转而关注这些调式如何在早期对位实践中，逐渐向大调与小调体系靠拢的“拉伸”与“重构”过程。 核心议题包括： 声部写作的早期约束： 分析了帕莱斯特里那时期对声部独立性与和声平稳性的苛刻要求，探讨了如何从纯粹的音高关系中提炼出早期的“垂直”观念。 巴赫的继承与超越： 重点剖析了巴赫如何通过赋格与平均律，将大小调系统推向其古典成熟前的巅峰。这里并非机械地分析他的对位结构，而是探讨他如何运用音域的张力、调性关系的远近来构建宏大的音乐叙事。 持续低音的哲学意义： 详细阐述了数字低音（Basso Continuo）作为一种即兴实践与和声预设的结合体，如何为后来的功能和声奠定了“上层建筑”的必要支撑。 --- 第二部分：功能和声的古典巅峰与逻辑构建（古典主义时期） 这是西方音乐理论体系最为成熟、规范最为严谨的阶段。本书将功能和声视为一种精密的“音乐语法”，而非仅仅是音符的堆砌。 重点内容深度解析： 功能体系的建立与层级划分： 详细界定了主、属、下属功能的核心地位及其在乐句构建中的作用。通过对海顿、莫扎特等作曲家的奏鸣曲式范例的细致解构，展示了如何通过功能转换实现戏剧性的冲突与解决。 转调的艺术： 区别于简单的和弦序列，本书将转调视为一种“空间移动”。我们探讨了如何通过共同和弦、经过和弦以及色彩和弦，实现从“熟悉领域”到“陌生领域”的平滑过渡，并最终回到主调。 调式色彩的细微差别： 分析了小调体系中属七和弦（V7）与导音的引入，是如何在听觉上彻底固化了小调的悲剧性或抒情性色彩，这是与早期大调主导地位的根本区别。 --- 第三部分：浪漫主义的和声扩张与界限的模糊（十九世纪） 随着个体情感表达的凸显，音乐理论开始承受前所未有的压力。本部分关注和声语言如何被“拉伸”至原有规范的边缘。 研究焦点包括： 色彩和声的兴起： 深入剖析了李斯特、瓦格纳等作曲家如何系统性地运用减七和弦（Diminished Seventh Chords）和九和弦（Ninth Chords）来模糊功能关系，制造无止境的渴望与不确定性。 调性中立区的探索： 对“和声停滞”（Harmonic Stasis）现象进行了专门研究，探讨了当功能关系被削弱时，音乐如何依靠织体、节奏和音色来维持其连贯性。 民族乐派的影响： 考察了东欧民族音乐元素如何通过特定的音阶和和声进行（例如，弗里吉亚调式的影响），开始对德奥体系的主导地位发起挑战。 --- 第四部分：二十世纪的理论断裂与多元化（新语法的诞生） 此部分是全书最具挑战性和创新性的部分，它处理的是音乐思维从“垂直统一”向“多维并存”的根本性转变。本书清晰地划分了打破传统调性束缚的几条主要路径。 核心理论体系的引入： 无调性与十二音体系： 详细阐述了勋伯格如何从逻辑上构建了“十二音序列”的原理，并区别于传统和声的“偶然性”排列，十二音体系是一种“组织原则”。同时，也对比分析了其在实际作品中的应用效果。 新古典主义的回归与反思： 分析了斯特拉文斯基等作曲家如何借鉴巴洛克和古典时期的材料，但用完全现代的、不和谐的“块状和声”进行重组，这是一种对历史的“引用”而非“继承”。 音高集合理论（Pitch Class Set Theory）： 引入了美国学派对非调性音乐进行分析的工具，将音乐视为抽象的数字关系集合，从而为分析无调性音乐提供了客观的量化方法。 --- 第五部分：跨越边界：当代音乐理论的交汇点 本书的收尾部分聚焦于音乐理论与新兴科技、美学哲学的交叉领域。 节奏与时间的理论重构： 探讨了复节奏（Polyrhythm）和非周期性节奏（Aperiodic Rhythm）如何挑战了传统上基于四分之四拍的律动感知。 听觉感知与认知科学的结合： 引入了心理声学（Psychoacoustics）的研究成果，解释了为什么某些和弦组合在人类听觉系统中被视为“稳定”或“不稳定”，从而将理论建立在生理基础之上。 《和声的交响》 是一部面向严肃学习者、作曲家、音乐史学家的必备参考书。它要求读者具备一定的基础乐理知识，但通过清晰的逻辑推演和海量的历史案例，本书最终旨在培养读者独立分析任何复杂音乐现象的能力，而非仅仅是记忆已有的范式。它是一部关于“如何思考音乐结构”的百科全书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性，远超乎我预期的“理论分析”范畴。它所提供的分析工具和思维框架，已经渗透到了我对任何音乐作品的日常聆听习惯中。以前听音乐会，我可能更多地沉浸在旋律和情感的直接冲击中；但现在，我开始不自觉地去辨识乐章的结构、主题的发展动机，以及作曲家是如何通过配器或调性变化来暗示未来的走向。这种“带着结构去看音乐”的能力，极大地提升了我对音乐艺术的欣赏层次。它不是教会我如何“记住”曲式，而是教会我如何“理解”音乐的内在骨架和血液流动，这使得每一次听音乐都变成了一次充满发现的探索。这套书，我敢说，是值得所有认真对待音乐的人永久珍藏的案头参考书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐理论学习者，我最看重的是内容的深度和体系的完整性。这本书的论述角度非常独特，它不仅仅停留在对曲式结构的机械罗列，而是深入挖掘了不同历史时期作曲家在遵循和突破既有范式时所展现出的创作哲学。我特别欣赏作者在阐述奏鸣曲式发展脉络时所展现出的细腻笔触，他没有简单地给出“呈示部-发展部-再现部”的公式，而是结合了大量的实例，剖析了古典主义晚期到浪漫主义初期，这一结构是如何在情感表达和戏剧张力中不断被重塑和演变的。读完相关的章节后，我有一种豁然开朗的感觉，原本感觉有些抽象的概念，一下子变得鲜活而富有生命力，仿佛能触摸到贝多芬或舒伯特创作时的心跳节奏。这种从“知其然”到“知其所以然”的进阶，是任何肤浅的教程都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用了沉稳的深蓝色调，配合烫金的字体，显得既古典又不失现代感。纸张的质地也颇为讲究，拿在手里沉甸甸的，有一种阅读经典著作的厚重感。尤其值得称赞的是内页的排版，字体大小适中，行距合理，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。更让我惊喜的是，书中附带的乐谱插图清晰度极高，许多复杂的和声进行和曲式结构图都标注得一目了然，这对于我们这些需要精确分析音乐作品的人来说，简直是福音。作者在细节处理上的用心程度，完全体现了人民音乐出版社一贯的高水准。初次翻阅，就感觉自己仿佛要开启一段严谨而又充满乐趣的音乐探索之旅，这本书从物理层面上就为高质量的学习体验打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极其凝练，但又充满了学者的洞察力，读起来既需要集中精神，但又引人入胜。它不像某些教材那样充斥着生硬的术语堆砌，而是用一种近乎叙事的方式，将复杂的理论知识娓娓道来。例如，在讨论回旋曲式时，作者没有直接给出枯燥的A-B-A-C-A结构图，而是通过讲述几个不同时代、不同风格的回旋曲实例，让读者自己去体会主题与插部的对比和交织是如何服务于整体的戏剧效果的。这种引导式的教学方法，极大地激发了我的主动学习欲。我发现自己不再是被动地接受知识，而是在跟随作者的思路，像侦探一样去发现隐藏在乐谱背后的逻辑和美感。这种阅读体验，是枯燥的“填鸭式”教育完全无法比拟的，它更像是一场高水平的学术对话。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的难度是毋庸置疑的，它对读者的基础知识储备提出了相当高的要求，但这恰恰是它宝贵的价值所在。它不是面向零基础初学者的入门读物，而更像是音乐专业学生进阶到研究阶段的桥梁。我尤其喜欢作者在分析特定作品时所展现出的那种批判性思维，他不会盲目地推崇某一种分析范式，而是会常常引用不同流派学者的观点进行对比和辨析，甚至提出自己的独到见解。这种“一家之言”与“百家争鸣”相结合的态势，迫使我必须不断地审视自己的既有认知，并进行深入的批判性思考。这种对学术严谨性的追求，对于培养真正具备独立分析能力的音乐人才来说，是至关重要的。