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[美] 杰克·哈姆 著

图书标签:

• 绘画
• 素描
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• 绘画教学
• 艺术学习
• 入门

店铺： 智博天恒图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115469885

商品编码：29513610318

包装：平装-胶订

出版时间：2017-12-01

图书基本信息
图书名称	世界绘画经典教程:人物素描
作者	杰克·哈姆
定价	39.80元
出版社	人民邮电出版社
ISBN	9787115469885
出版日期	2017-12-01
字数
页码
版次	3
装帧	平装-胶订
开本	16开
商品重量	0.4Kg

内容简介

本书为“世界绘画经典教程”系列图书之一，其原版图书Drawing the Head & Figure于1983年在美国出版，在欧美畅销至今，是经久不衰的绘画教程。笔者根据人体结构解剖学，详细解析了头部、头发、躯干、脖子与肩膀、胳膊、手、腿、脚等部位的绘画原则和技巧，末尾讲解了人体着装后的绘制方法。通过本书的学习，读者可以掌握大量人物绘画的原则和技巧。相信无论是初学者还是经验丰富的画家，都能从中汲取养分，提高自己的艺术创作水平。

作者简介

Jack B. Hamm (1916C1996)是美术教学类书籍中畅销的作者之一。随着在美国、英国、日本、德国等全球近百万的，他的书已经帮助每一代有能力、有水平、有抱负的艺术家学画画、提高绘画技术。 Jack Hamm曾在弗雷德里克米岑艺术学院（the Frederic Mizen Academy of Art）学习并执教。作为一位漫画家和漫画文案，他曾为《兔八哥（Bugs Bunny）》《Alley Oop》以及《Boots and Her Buddies》 等连环画和漫画工作，之后进入美国贝勒大学（Baylor University）学习神学。他在贝勒大学学习的同时也开始当老师，并于1948年毕业后，继续执教相关课程。

目录

编辑推荐

本书自出版以来，受到了广泛好评。在原版图书于1983年出版之后，Jack Hamm也以其娴熟的绘画技法，朴实、深刻的讲解方式，折服了众多中国的绘画爱好者。本书讲解了人物绘画的基本原理和绘画技巧，详解了头部、头发、躯干、颈部与肩膀、胳膊、手、腿、脚等部位，内含近1000幅示意图。

文摘

序言

《笔尖下的生命：西方素描的传承与创新》 第一章：素描的基石——形体与比例的雕琢 素描，作为一切造型艺术的源头活水，其核心在于对形体与比例的精准把握。本书将带领读者穿越时空的洪流，深入探索西方素描艺术在形体塑造上的发展脉络，从古希腊雕塑的理想化人体，到文艺复兴时期对人体解剖的科学研究，再到巴洛克时期对动态与戏剧性表现的追求。我们将详细剖析大师们如何通过观察、测量和反复推敲，将三维立体的空间感巧妙地呈现在二维的纸面上。 人体比例的黄金法则： 从古埃及的比例网格，到古希腊的卡农标准，再到达·芬奇的《维特鲁威人》所揭示的数学与人体美学的完美结合，我们将一步步拆解人体比例的奥秘。本书将提供一套实用的测量工具和观察方法，帮助你理解头身比例、四肢长短、关节枢纽等关键部位的相对关系，让你在描绘人物时，不再凭感觉，而是建立在坚实的结构基础上。我们将通过对不同年龄、性别、体型的模型进行分析，揭示其内在的比例差异，让你学会如何根据对象调整比例，而非一味套用公式。 骨骼与肌肉的科学描绘： 理解人体骨骼的结构是塑造形体不可或缺的一环。本书将结合详细的解剖图谱，深入浅出地讲解人体的主要骨骼（如颅骨、脊柱、胸廓、骨盆、四肢骨骼）的形态和连接方式。在此基础上，我们将进一步探讨主要的肌肉群（如胸肌、腹肌、背肌、肩部肌肉、手臂肌肉、腿部肌肉）的起止点、走向以及它们在人体动态中的收缩与舒展。我们将通过不同角度、不同姿势的人物写生范例，演示如何将解剖知识转化为线条和明暗，表现出肌肤下的骨骼轮廓和肌肉的体积感，使人物形象更加真实、有力。 动态的捕捉与表现： 人体并非静止的雕塑，而是充满生命力的运动体。本书将聚焦于如何捕捉人物的动态瞬间，并将这种动态感转化为素描作品的张力。我们将分析身体的重心转移、力量的传导、身体的扭转与倾斜等动态元素的构成。通过对不同运动状态下的人物写生，如奔跑、跳跃、舞蹈、跌倒等，引导读者学习如何用流畅而富有弹性的线条来表现身体的动势，以及如何通过明暗的对比和受力点的强调来烘托人物的动态。 透视原理在人体素描中的应用： 无论人物处于何种空间位置，透视原理都是展现其空间感和立体感的关键。本书将系统讲解一点透视、两点透视和三点透视的基本原理，并重点阐述其在描绘人体时如何应用。我们将通过对不同视角下的人物写生，如俯视、仰视、平视等，演示如何准确地处理身体各部分的变形和缩短，如何构建人物所处的空间环境，以及如何利用透视来增强人物的深度感和体积感。 第二章：光影的魔术——明暗层次的运用 光影是赋予素描生命力的另一重要元素。本书将深入探索光影在塑造人物体积、空间和氛围上的神奇作用，引导读者从观察者转变为光影的创造者。 光源的性质与作用： 我们将首先认识不同性质的光源，如点光源、线光源、面光源，以及自然光和人造光。理解每种光源产生的阴影特点，如阴影的清晰度、边缘的锐利度以及阴影的深浅变化。本书将通过对不同光源下的人物写生实例，展示如何根据光源方向调整明暗分布，从而塑造出人物的立体感。 明暗关系的基本原则： 从最基本的“亮部”、“灰部”、“暗部”到更细致的“反光”、“投影”，我们将层层递进地解析明暗关系的构成。本书将详细讲解如何观察和表现不同材质、不同肤色的明暗变化，以及如何通过明暗的对比来突出人物的轮廓和结构。我们将学习如何运用不同媒介（如铅笔的硬度、炭笔的力度）来控制明暗的过渡，实现细腻而富有表现力的画面效果。 体积感的塑造： 明暗是塑造体积感的关键。本书将通过大量实例，演示如何通过对明暗的准确铺陈，让原本平面的线条变得饱满而富有立体感。我们将学习如何观察并表现物体表面的弧度、凹凸以及受光面的明暗过渡。通过对人脸、手部等细节的深入描绘，我们会发现，每一个转折处、每一个鼓起的地方，都离不开精妙的明暗处理。 空间感的营造： 光影不仅能塑造个体，更能营造整体的空间感。本书将探讨如何利用光影的远近虚实来表现人物与背景的关系，以及人物在空间中的位置。我们将学习如何处理背景的光影，使其衬托人物，而不是喧宾夺主。通过对光影方向和强弱的巧妙运用，我们可以让画面产生纵深感，使人物仿佛置身于真实的环境之中。 情绪与氛围的烘托： 光影具有强大的叙事性，能够直接影响观者的情感体验。本书将引导读者思考如何利用光影来烘托人物的情绪和画面的整体氛围。例如，柔和的光线可以营造宁静、温馨的氛围，而强烈的明暗对比则能带来戏剧性、紧张感。我们将通过对不同风格作品的分析，学习如何运用光影来表达人物的喜怒哀乐，以及如何营造出神秘、孤独、热情等不同的情绪基调。 第三章：细节的灵魂——五官与情感的刻画 人物素描的魅力，很大程度上体现在对五官和表情的精准描绘上。本书将带领读者深入探索如何捕捉人物的个性特征，并将其通过细腻的笔触表现出来。 脸部的结构与比例： 脸部是人物素描的重中之重。我们将从颅骨的结构出发，讲解脸部骨骼（如颧骨、鼻骨、下颌骨）的形态，以及它们与皮肤、肌肉的关系。在此基础上，我们将详细分析五官（眼睛、鼻子、嘴巴、耳朵）在脸部上的准确位置、大小比例和相互关系。本书将提供不同角度、不同特征的脸部结构图，并结合大量的写生范例，帮助读者建立起对脸部结构的立体认知。 眼睛：心灵的窗户： 眼睛的描绘是人物素描中最具挑战性也最能传达情感的部分。我们将深入剖析眼睛的眼球、眼睑、睫毛、眉毛的结构。重点讲解如何通过明暗关系来表现眼球的晶莹剔透感、眼神的深邃与光彩。我们将学习如何捕捉眼神中的细微变化，如喜悦、悲伤、疑惑、坚定等，让人物的眼睛“活”起来。 鼻子：挺拔与鼻梁的塑造： 鼻子的形态变化万千，却又是塑造脸部立体感的关键。我们将讲解鼻子的结构，包括鼻梁、鼻翼、鼻尖和鼻孔。通过对不同鼻型的分析，学习如何通过明暗和线条来表现鼻子的挺拔度、宽度和立体感。 嘴巴：表情的枢纽： 嘴巴是表情最直接的载体。本书将详细讲解嘴唇的结构，包括上下唇的厚度、嘴角的变化以及牙齿在嘴巴张合时的显露。我们将学习如何捕捉嘴部肌肉的微小动作，从而表现出微笑、严肃、惊讶、恳求等各种不同的表情。 耳朵：隐藏的细节： 耳朵虽然有时被忽略，但其形状对整体脸部形象的完整性至关重要。我们将讲解耳朵的廓形、耳廓的褶皱以及与脸部的连接关系，学习如何准确地将其置于合适的位置，并用简练的线条和明暗来表现其结构。 头发：光影与纹理的交织： 头发的描绘是展现人物个性和质感的又一重要环节。我们将学习如何观察不同发型、发质的特点。重点在于理解头发的光影变化，如何用流畅的线条来表现发丝的走向、蓬松度以及金属般的光泽或柔和的绒毛感。我们将探讨如何用笔触的粗细、疏密来模拟不同发质的效果。 情感的传达： 本章的最终目标是让读者能够将素描技法与人物情感融为一体。我们将通过分析大量经典人物肖像作品，学习大师们是如何通过对五官的细微处理，来刻画人物的内心世界。我们会探讨，一个微微上扬的嘴角，一双略带忧郁的眼睛，甚至是一道稍显紧锁的眉头，都能赋予画面无限的情感张力。 第四章：笔触的语言——技法的探索与创新 素描的魅力不仅在于形体和光影的准确，更在于笔触本身所蕴含的独特语言。本书将带您探索不同的素描技法，并鼓励您在传承经典的同时，融入个人风格。 线条的运用： 线条是素描最基础的语言。我们将讲解不同类型的线条：粗犷有力的轮廓线，细腻变化的描写线，以及富有弹性的辅助线。本书将示范如何通过线条的粗细、曲直、断连来表现物体的质感、动势和空间关系。我们将学习如何运用排线来表现明暗和体积，以及如何通过线条的疏密变化来控制画面的节奏。 明暗晕染的表现： 除了排线，明暗的直接涂抹和晕染也是塑造体积感的重要方法。我们将介绍使用不同工具（如画笔、海绵、布）进行晕染的技术，以及如何通过擦拭、揉搓等手法来获得细腻的过渡和柔和的质感。 素描工具的特性： 铅笔、炭笔、粉彩、钢笔等不同的素描工具，各有其独特的表现力。本书将介绍各类工具的特性，包括它们的硬度、着色力、表现范围等，并提供相应的范例，帮助读者选择适合自己风格和表现需求的工具。 创作方法与实践： 从写生到默写，从局部刻画到整体构图，本书将提供一系列的创作方法和实践指导。我们将鼓励读者从基础的静物写生开始，逐步过渡到人物头像、半身像乃至全身像的创作。同时，本书也将介绍一些启发灵感的练习方法，如速写、速塑等，帮助读者提高观察力和表现力。 风格的形成与个人探索： 绘画大师之所以能够流芳百世，除了精湛的技艺，更在于其独特的个人风格。本书将引导读者在掌握基础技法的同时，思考如何形成自己的绘画语言。我们将通过分析不同时期、不同流派的素描风格，鼓励读者借鉴、融合，并最终找到属于自己的表现方式。我们相信，每一个热爱素描的人，都能在笔尖下找到属于自己的灵魂表达。 结语 《笔尖下的生命：西方素描的传承与创新》旨在为广大素描爱好者提供一份全面而深入的教程。我们希望通过对形体、光影、细节以及技法的系统讲解，帮助读者建立起扎实的素描基础，掌握表现人物的神韵与灵魂的方法。素描的道路漫长而充满乐趣，愿本书成为您探索艺术世界、发现自我价值的忠实伙伴。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，真正优秀的素描教程，不仅仅是教你如何“画”出一个人，更是教你如何“理解”一个人。这本《世界绘画经典教程:人物素描》在这方面做得非常出色。它不仅仅局限于技法层面，更深入地探讨了人物素描的情感表达和精神内涵。书中对不同表情、神态的人物素描进行了详细的解析，教我如何通过眼睛、眉毛、嘴唇的细微变化来传递人物的喜怒哀乐。它还强调了“写意”在素描中的重要性，通过对线条的灵活运用，以及对形体概括的训练，让我理解了如何在短短几笔之内捕捉人物的神韵和个性的精髓。书中穿插了许多大师的经典作品，并对其进行了深入的解读，让我看到了素描如何成为表达艺术家内心世界的重要媒介。我特别喜欢书中关于“速写”的章节，它鼓励我用更快的速度去捕捉人物的动态和瞬间，从而培养我敏锐的观察力和快速的表现力。总的来说，这本书不仅提升了我的绘画技巧，更让我对人物素描有了更深层次的理解和感悟。

评分☆☆☆☆☆

这本《世界绘画经典教程:人物素描》真是让我眼前一亮，感觉找到了绘画路上的“宝藏”。我一直对人物素描抱有浓厚的兴趣，但总觉得自己的作品缺乏灵魂，人物形态僵硬，不够生动。这本书从最基础的光影处理开始，循序渐进地讲解了人体结构的比例、骨骼和肌肉的走向，以及如何通过线条的粗细、疏密来表现体积感和质感。尤其让我印象深刻的是，书中穿插了大量不同时期、不同风格的世界级大师的素描作品分析，比如列奥纳多·达·芬奇那细腻入微的解剖研究，伦勃朗对光影戏剧性运用的经典案例，以及安格尔严谨而富有韵律感的线条。这些分析不是简单地罗列作品，而是深入剖析了艺术家是如何观察、理解并最终将三维的人体呈现在二维画面上的。我尝试着跟着书中的步骤进行练习，从简单的几何形体塑造人脸，到复杂的全身像绘制，每一步都得到了清晰的指导。书中的示范图例非常丰富，而且标注清晰，让我能快速理解每一个关键点。它不仅仅是一本教程，更像是一位循循善诱的老师，让我看到了人物素描的无限可能性。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都觉得人物素描是一门非常高深的学问，总觉得那些大师级的作品遥不可及。拿到这本《世界绘画经典教程:人物素描》之后，我才意识到，原来入门并没有想象中那么困难，关键在于找对方法和路径。这本书的内容非常系统，它没有一开始就抛出复杂的写实技巧，而是从最基本的观察方法入手，教会我如何“看见”人体的结构，如何捕捉人物的神态和情绪。书中对不同年龄、性别、体态的人物都有详细的讲解，包括面部特征的刻画，手部和脚部的绘制难点，以及如何表现衣物的褶皱和质感。我尤其喜欢书中关于“动态素描”的部分，它让我理解了如何在静态的画纸上呈现人物的动态和生命力，如何通过身体的倾斜、肢体的舒展来赋予人物鲜活的生命。书中还强调了“整体感”的训练，让我明白不能只关注局部，而要从整体出发，把握人物的整体轮廓和比例关系。通过学习，我感觉自己的观察力得到了极大的提升，能够更准确地捕捉到人物的特征和神韵，不再是机械地复制，而是开始理解并表现人物的内在气质。

评分☆☆☆☆☆

作为一名正在学习绘画的学生，我一直在寻找一本既有深度又不失实践性的素描教材。《世界绘画经典教程:人物素描》完全满足了我的需求。这本书的体系结构非常清晰，从最基础的素描工具介绍，到透视原理、光影原理，再到人体比例、解剖学，循序渐进，逻辑性极强。书中对人体比例的讲解非常详细，不仅给出了通用的标准比例，还讲解了不同年龄、性别、身材的人体比例差异，这对于我准确把握人物的形体至关重要。此外，书中对肌肉和骨骼的讲解也非常到位，通过图文并茂的方式，让我能直观地理解人体结构的内在逻辑，从而画出更加真实、有力量的人物形象。我特别喜欢书中关于“动态捕捉”的部分，它教会我如何在人物静止的状态下，通过对身体重心的把握、肌肉的张力表现，以及肢体的自然连接，来画出充满生命力的姿态。这本书的示范作品也十分优秀，既有写实风格的严谨，也有对线条和情感的细腻处理，为我提供了很多借鉴和启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，简直就是我这个业余绘画爱好者的一场及时雨！我一直对古典风格的人物素描情有独钟，但总是在临摹的时候感觉“不得要领”。《世界绘画经典教程:人物素描》在这一点上做得非常出色，它不仅介绍了基础的素描理论，更将目光投向了西方绘画史上那些璀璨的人物素描作品。书中对文艺复兴时期、巴洛克时期、新古典主义时期等不同绘画风格下的人物素描特点进行了深入浅出的分析。我特别受益于书中对达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师素描作品的解读，它不仅展示了这些大师对人体解剖的精通，更揭示了他们如何运用线条、明暗来塑造人物的形象和精神。书中还收录了大量精美的素描范例，这些范例的风格多样，难度不一，既有严谨的学院派风格，也有更具表现力的写意风格，为我提供了丰富的学习素材和模仿对象。我尝试着去模仿其中一些作品的笔触和构图，虽然离大师的水准还有很远的距离，但我能清晰地感受到自己的技艺在一点点进步，对造型的理解也在不断深化。