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商品名称：正版香港三联版《宜兴紫砂珍赏》顾景舟 徐秀棠 另荐紫砂壶全书 深邃的七子世界 紫音希声

商品编号：27951000652

店铺： 翰林学府图书专营店

商品毛重：3.0kg

货号：461

宜兴紫砂珍赏

作者: 顾景舟 / 徐秀棠 

出版社: 香港三联书店
出版年: 1992
定价: HK$800
装帧: 精装
ISBN: 9789620409622

陶瓷艺术的无尽探索：精选中国历代名窑及现代陶艺力作 本书精选自中国陶瓷艺术史上的瑰宝，聚焦于不同历史时期代表性窑口的独特魅力，并收录了当代陶艺家们在继承传统基础上开拓创新的杰出作品。全书以严谨的学术视角和精美的图版呈现，旨在为读者构建一个立体、深入的中国陶瓷艺术全景图。 第一部分：历代名窑的辉煌遗产 一、 早期萌芽与青瓷的曙光：越窑与龙泉窑 本部分首先追溯中国陶瓷的源头，重点展示新石器时代至汉代的早期陶器，特别是对反映当时社会风貌和审美情趣的器型进行剖析。 随后，我们将镜头聚焦于在中国陶瓷史上占据重要地位的越窑和龙泉窑。 越窑青瓷：秘色之谜与技术巅峰 详细考察越窑自唐代至五代的发展脉络，深入分析其“千峰翠色”的釉色特征。书中所收录的五代越窑秘色瓷，无论是在造型的匀称度，还是釉层的温润光泽上，都达到了极高的艺术成就。通过对器物底部支钉痕迹的细致描摹，以及对典型器型如刻花碗、印花盘的对比研究，揭示了越窑青瓷在当时宫廷和对外贸易中的核心地位。特别是对唐代晚期“类冰类玉”的描述，辅以高清晰度的微距摄影，力求还原其釉面下蕴含的细腻层次感。 龙泉窑：粉青与梅子的永恒对话 龙泉窑，特别是南宋至元代的青瓷，以其温润如玉的质感著称。本书精选了数件代表性的龙泉窑“粉青”釉大碗和“梅子青”釉瓶。我们将着重解析“双层釉”的烧制技术如何赋予器物深邃的光影变化。对于梅子青釉，选取了光线不同角度下的多角度照片，展现其在不同光线下呈现出的从凝重到清新的色彩过渡。同时，穿插介绍元代龙泉青瓷的器型变化，探讨其在海外贸易中如何成为身份与财富的象征。 二、 白瓷的极致：邢窑与定窑的“素面”哲学 白瓷的兴盛标志着制瓷工艺在胎土淘洗和釉料配方上的重大突破。 邢窑：唐代的“类雪类象牙” 邢窑白瓷以其胎质的坚硬和釉色的洁白细腻著称。本册收录了唐代邢窑的碗、盘，其特点在于口沿一圈的“蜡泪痕”——未经施釉的痕迹，这是判断邢窑真伪的重要依据之一。通过断面分析图，直观展示了邢窑白瓷薄而坚韧的胎体结构。 定窑：覆烧的创新与“泪痕”之美 定窑的创新在于采用了“覆烧法”，这使得器物口沿形成了独特的无釉或微釉的“口沿”特征。书中精选的北宋定窑刻花、印花盘，细致描绘了其在花纹布局上的疏密有致。尤其是对“泪痕”——釉水流淌形成的自然垂线纹的捕捉，展现了工匠在追求极致的白净之下，对随机之美的尊重与接纳。 三、 瓷都的崛起：宋代五大名窑的全面审视 本部分是对宋代制瓷工艺的集大成展现，侧重于汝、官、哥、钧的独特“天成”之美。 汝窑：雨过天青的禅意 汝窑传世稀少，是陶瓷研究中的圣杯。本书收录的几件汝窑器物，均以其温润如脂的釉面和“蟹爪纹”般的开片为核心。通过对比不同温度下烧制的釉面效果，探讨了釉中铁含量对最终呈现的“雨过天青”色的决定性影响。特别指出其支钉细如芝麻的特点，以及釉面中可能出现的微小气泡对光线的折射效果。 官窑与哥窑：紫口铁足的对比分析 官窑和哥窑的联系与区别是陶瓷鉴赏中的难点。本书通过并列展示两者的作品，重点解析哥窑“金丝铁线”的开片特征——细密网状的大开片（铁线）与稀疏的冰裂纹（金丝）的交织。同时，对比官窑釉面自然剥落形成的“紫口”（口沿露出微黄褐色胎土）和底部的“铁足”（支钉烧成后留下的痕迹），深入解析窑变对美学价值的贡献。 钧窑：变幻莫测的窑变艺术 钧窑以其独特的铜离子釉料，在还原气氛中形成瑰丽的蓝色、紫色斑块。本书精选了数件钧釉碗和洗，重点不在于器型，而在于釉面的斑斓色彩。通过高倍放大镜下的图谱，展示了蓝色釉中闪烁的金属光点，以及紫色斑块边缘晕染出的柔和过渡，强调了其“入窑一色，出窑万彩”的随机之美，体现了宋人对自然造化的终极模仿。 第二部分：明清官窑的规范与创新 明清两代的景德镇御窑，标志着中国制瓷工艺在规范化、标准化和装饰艺术上的巅峰。 一、 明代永乐、宣德：永乐的甜白与宣德的青花 永乐甜白： 永乐甜白釉以其纯净无暇的质地和几乎没有瑕疵的表面著称，象征着宫廷对完美的极致追求。书中展示了永乐甜白执壶和碗，其釉面温润如羊脂白玉，几乎看不到施釉的痕迹。 宣德青花： 宣德时期是青花瓷的黄金时代。本部分重点剖析宣德青花“钴料晕散”的特征，即青花料在高温下自然渗入胎体，形成浓重的“黑斑”或“铁锈斑”。通过对比进口苏麻离青与国产料的使用效果，解析宣德青花在纹饰布局上雄浑大气、线条流畅的风格特点。 二、 清代康熙、雍正、乾隆：彩瓷的巅峰对决 清代彩瓷的烧制技术达到了前所未有的高度，涵盖了粉彩、珐琅彩、五彩等多种技法。 康熙五彩与硬彩： 康熙朝的彩瓷注重色彩的对比和饱和度，釉上彩的层次感强，尤其体现在对“斗彩”和“素三彩”的继承与发展上。 雍正粉彩的精微： 雍正粉彩被誉为清代彩瓷的极致。本书通过放大展示雍正粉彩花卉纹的细节，揭示其“玻璃白”打底后，彩料晕染出的细腻层次感，几乎可以媲美西方油画的晕染效果。这种极度精细的工笔画法，体现了雍正时期对文人雅趣的追求。 乾隆珐琅彩与洋彩： 乾隆朝将欧洲传入的“珐琅彩”技术推向高峰，并大量使用模仿西方油画技法的“洋彩”。本册收录的珐琅彩器，重点解析其釉上彩的厚度、色彩的纯度以及纹饰中对人物面部阴影的塑造，展现了中西合璧的审美趣味。 第三部分：当代陶艺的跨界对话 本部分不再局限于传统瓷器，而是将视野扩展到当代陶瓷艺术家如何运用泥土、釉料进行观念表达和形式探索。 收录了多位当代陶艺家的代表作，他们或回归本源，探索泥土的塑性与肌理；或借鉴抽象表现主义，用釉色表达内在情绪；或在器物造型上进行解构与重组。这些作品共同展示了泥土作为媒介，在当代艺术语境下所能承载的无限可能性，是对传统工艺的继承、挑战与超越。全书以严谨的图录和深入的评论，为读者提供一个全面、深入、富有洞察力的中国陶瓷艺术鉴赏指南。

评分☆☆☆☆☆

初捧此书，眼前一亮，那是一种对传统工艺的由衷敬佩油然而生。书中的图片精美绝伦，每一把壶仿佛都在讲述着它们跨越时光的故事。尤其是对那些经典款式的细致剖析，从泥料的选择到成型的工艺，再到烧制的火候，无不体现出作者对紫砂艺术的深刻理解和执着追求。阅读过程中，我仿佛能闻到那泥土的芬芳，感受到匠人指尖流淌出的温度与情感。它不仅仅是一本图录，更像是一部活着的紫砂史诗，让人在欣赏美的同时，也深深体味到那种“一捏一塑皆是情”的匠心精神。对于任何一个热爱紫砂，渴望探究其精髓的爱好者来说，这本书无疑是一本值得反复品读的宝典，能极大地提升你对紫砂壶的鉴赏眼光和知识储备。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事方式非常引人入胜，它没有采用那种枯燥的学术说教，而是巧妙地将历史背景、文化意蕴与实物鉴赏融为一体。读来令人心悦诚服，仿佛有一位经验丰富的老茶客，带着你穿梭于宜兴的紫砂古韵之中，娓娓道来那些制壶大师的轶事与绝妙技艺。特别是对某些特定时期紫砂风格演变的梳理，逻辑清晰，论据扎实，使得即便是初学者也能轻松把握其脉络。这种深入浅出的表达，极大地降低了欣赏高深紫砂艺术的门槛，让人在轻松愉快的阅读体验中，不知不觉地吸收了大量有价值的信息。它成功地架起了一座连接古老技艺与现代审美的桥梁，让人对紫砂的“精、气、神”有了更立体的认识。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书在细节处理上的匠心独运。许多看似微不足道的壶身铭文、款识的辨别，都被作者进行了详尽的考证和图示说明。这对于资深藏家而言，无疑是如获至宝，因为这些细节往往是判定一件作品真伪和价值的关键所在。书中对不同泥料在烧制后所呈现出的独特“宝光”和“砂性”的描述，非常生动传神，即使用文字来描绘，也能让人在脑海中构建出清晰的画面感。阅读时我经常停下来，对照自己收藏的一些茶器，对照书中的论述反复揣摩，发现许多过去忽略的盲点都被清晰地指了出来。这种高度的专业性和实操指导性，是很多同类书籍所欠缺的，它真正做到了“授人以渔”。

评分☆☆☆☆☆

不得不提的是，这本书的装帧设计和印刷质量堪称业界典范。对于艺术类书籍而言，视觉体验是极其重要的部分，而这本无疑做到了极致。纸张的质感，色彩的还原度，都精确地捕捉到了紫砂器物温润沉静的特质。尤其是那些大幅彩图，光影的处理，使得泥土的颗粒感和釉面的光泽都能清晰可见，极大地提升了收藏和鉴赏的乐趣。翻阅时，那种厚重而雅致的感觉，本身就是一种精神享受。它不仅仅是一次信息获取的过程，更是一场视觉与触觉的盛宴，让人深切感受到出版方对紫砂文化传承的敬重与投入。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大启发，在于它让我重新审视了“传承”二字的真正含义。它所收录的不仅仅是孤立的作品，更是不同时代制壶大师们在特定社会背景下，对美学追求和生活哲学的个体表达。通过对这些作品的深入解读，我开始理解，真正的紫砂艺术，其价值远超于材料本身，它承载着深厚的文人情怀和生活哲学。书中对于“气韵生动”的阐释尤为精辟，点明了紫砂壶的灵魂所在，它要求创作者必须心手相应，方能造就传世之作。读完后，我对未来选择和品鉴紫砂作品有了更清晰、更高远的评判标准，不再仅仅停留在表面的造型美学上，而是深入到了对作品内涵的探求。