中国艺术如何影响世界——从莫奈到毕加索 湖北新华书店 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈传席 著

图书标签:

• 中国艺术
• 艺术史
• 西方艺术
• 莫奈
• 毕加索
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• 艺术理论
• 绘画

店铺： 湖北新华书店图书专营店

出版社： 中华书局

ISBN：9787101125214

商品编码：17123430289

包装：平装-胶订

出版时间：2017-08-01

图书基本信息
图书名称	中国艺术如何影响世界——从莫奈到毕加索	作者	陈传席
定价	58.00元	出版社	中华书局
ISBN	9787101125214	出版日期	2017-08-01
字数	60000	页码	215
版次	1	装帧	平装-胶订
开本	大16开	商品重量	0.4Kg

内容简介

《中国艺术如何影响世界：从莫奈到毕加索》从美术史的角度，将西方近现代著名画家的艺术创作变化与中国（日本）绘画艺术做横向对照，并引用画家自己的论述，证明了在西方近现代绘画风格的形成和艺术创新上的突破中，中国艺术不可或缺的影响。

作者简介

陈传席，学者。现任中国人民大学教授、博导，兼任中国佛教艺术研究所所长、中国美术家协会理论委员会主任、中宣部评阅员、中华文化发展促进会理事，中国文艺评论家协会理事。著有：《六朝画论研究》《中国山水画史》《中国绘画美学史》《中国绘画理论史》等。

目录

自序 上卷 中国书画在世界艺术中的地位 引言 一、中国书画对世界艺术的重大影响 二、中国画论一直居世界画论之先 三、“目视”“神遇”——中西绘画的区别 四、由自信到自卑的原因 五、终结、发展 下卷 杂论 分久必合，合久必分 ——论中西绘画的交流 徐悲鸿和林风眠艺术主张之异同和影响 ——兼谈“中西分璧”“中西合瓦” 单层文化和双层文化 笔墨当随古代 从“物种进化”到“变种进化” ——谈20世纪中国山水画发展的趋势 “识心见性”“于相而离相” ——禅宗思想对中国艺术的重大影响 文与画的内在关系 夺意，异形 敢于肯定 画才和画情，才能和才华 判断力、艺术创作与艺术史研究 艺术发展于约束，灭亡于自巾 后记

编辑推荐

★重估中国艺术在世界的独特价值 　　《中国艺术如何影响世界》是学者陈传席近几年来受西方大学及艺术研究机构之邀，前往欧美讲演中国书法、绘画、文学的内容整理合集。其中“中国书画在世界艺术中的实际地位”一文为全书重点，作者从美术史的角度，将西方近现代著名画家的艺术创作变化与中国（日本）绘画艺术做横向对照，并引用画家自己的论述，证明了在西方近现代绘画风格的形成和艺术创新上的突破中，中国艺术的影响不可或缺。 　　★丰富材料详解作品启迪全新视角 　　《中国艺术如何影响世界》通过举例包括莫奈、毕加索、凡高、马蒂斯等西方近现代绘画大师的作品，与中国传统书画作品一一进行具体对比，从而论证中国书画艺术对西方的影响及其在世界的地位。每一例子皆有细致的配图讲解，其中包括许多之前学界未加注意的材料，启迪读者用全新的视角欣赏并理解中西经典绘画艺术。 　　★另辟蹊径梳理美术史比较中西文化 　　《中国艺术如何影响世界》重新梳理了世界美术史，在已有的艺术史研究基础上有所创新。作者由表及里，让读者除了获得有关画作本身的知识与观点外，同时也对中西艺术形式背后的文化差异有所理解领悟。

文摘

序言

好的，以下是一本假设的书籍简介，该书聚焦于对全球艺术史产生深远影响的中国艺术流派，但避开了您提供的具体书名信息和内容： --- 书名：《东方之光：中国艺术的全球回响与现代转型》 导言：穿越时空的对话 本书旨在深入探讨中国传统艺术——从早期哲学思想的物化表现到宋代文人画的巅峰，再到明清时期精致工艺的全球传播——如何并非作为一种孤立的文化现象存在，而是以其独特的美学体系、笔墨语言和宇宙观，对世界艺术的发展脉络产生了潜移默化却又决定性的影响。我们考察的并非简单的“影响”或“借鉴”，而是文化交流中的深层结构性渗透，那种如同河流汇入海洋，最终改变水文特征的复杂过程。 第一部分：笔墨的哲学基石——从书写到绘画的东方精神 中国艺术的核心魅力，在于其将哲学、伦理与审美融为一体的独特方式。本部分首先追溯了“书画同源”的思想基础。在中国，书法不仅仅是记录语言的工具，更被视为个体修养与精神境界的直接投射。这种对线条、气韵和“意”的极致追求，为后世的视觉艺术设定了与西方写实主义截然不同的参照系。 我们详细分析了魏晋南北朝时期对“气韵生动”的理论构建，这种强调生命力与内在精神的表达，与当时欧洲文艺复兴早期对人体比例的科学探索形成了鲜明对比。接着，本书深入研究了唐宋之际的山水画发展。宋代文人画的兴起，标志着艺术从宫廷和宗教服务转向个体精神世界的表达。那些墨分五色的层次感、留白的处理手法，以及对自然“道”的体悟，构筑了一种超越具象描摹的审美范式。例如，范宽《溪山行旅图》中对崇高感的营造，并非依赖于透视法，而是通过尺幅的张力和笔触的力度来实现的，这种对“主观在场”的强调，对后世的风景画概念产生了长久的影响。 第二部分：工艺的奇迹与跨文化的传播 中国在陶瓷、丝绸和漆器领域的技术成就，很早就超越了其实际的地理疆界，成为全球奢侈品和身份象征的标志。本书重点剖析了瓷器——特别是青花瓷的传播路径及其对欧洲乃至中东装饰艺术的重塑。 十七世纪，“中国风”（Chinoiserie）在欧洲宫廷中盛行，但这不仅仅是简单的模仿。欧洲的工匠和艺术家在接触到中国精细的釉料技术、复杂的花卉纹样和对称的布局后，引发了本土审美的深刻反思。我们考察了荷兰代尔夫特陶器对景德镇样式的吸收与本土化过程，以及法国洛可可风格中对中国亭台楼阁、山水意境的浪漫化挪用。这种互动是双向的：中国艺术提供了工艺的极致，而欧洲的文化语境则赋予了这些元素新的叙事可能。 第三部分：现代性的早期回响——东方美学对西方前卫艺术的隐秘渗透 本书最具突破性的章节，在于揭示了中国艺术如何成为打破西方既有视觉传统的关键催化剂。在十九世纪末和二十世纪初，随着全球贸易和文化交流的加深，西方艺术家开始寻求摆脱僵化的学院派传统，并渴望一种更直接、更具表现力的艺术语言。 我们详细分析了日本浮世绘对印象派和后印象派的影响，但本书将焦点转向了中国艺术，特别是那些通过早期学者和旅行家接触到的“非主流”艺术形式。例如，道家思想中对虚无、变化和相对性的理解，开始渗透到对光影和形态的全新处理中。一些先锋派艺术家，他们不一定直接看到了宋代山水，但通过对东方哲学的理解，开始在作品中探索绘画的“内在结构”而非“外部表象”。 特别是二十世纪初，中国书法的“动态抽象”特质，为抽象表现主义的形成提供了潜在的参照点。那些注重运动轨迹和瞬间爆发力的笔触，与西方艺术家对“行动绘画”的探索不谋而合。本书认为，这种影响并非通过清晰的、可追溯的“学习链”完成，而是在全球艺术思潮的熔炉中，中国艺术提供的独特美学视角，恰好解答了西方现代主义在寻找“纯粹形式”时所遇到的哲学困境。 结论：永恒的张力与未来的对话 《东方之光》总结道，中国艺术对世界的贡献，不在于提供了固定的风格模板，而在于提供了一种看待世界、组织画面、表达精神的替代性逻辑。它教会了世界艺术：图像的力量可以根植于未被描绘的空间，而线条的质量本身就具有超越描摹对象的生命力。在全球化日益加深的今天，理解这种历史性的深度交融，对于重塑我们对艺术史的理解，以及展望未来艺术的跨文化走向，具有不可替代的价值。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感和封面上古典又现代的字体搭配，一下子就抓住了我的目光。我本来就对艺术史有点涉猎，但市面上很多关于东西方艺术交流的书籍，要么过于学术化，看得人昏昏欲睡，要么就是浮光掠影，讲不出什么深度。拿到这本书的时候，我其实是抱着一种审慎的态度。然而，它用一种近乎故事叙述的方式，将那些宏大叙事巧妙地编织进一个个鲜活的案例中。比如，它对印象派画作中光影处理的分析，并没有停留在色彩理论的层面，而是深入探讨了东方水墨画中“气韵生动”的哲学是如何潜移默化地影响了德加对于动态捕捉的敏感度。作者的笔触细腻而富有洞察力，让人仿佛置身于十九世纪末的巴黎咖啡馆，亲眼见证那些伟大的碰撞与融合。特别是那些对细节的考据，比如某位欧洲画家收藏的一件中国瓷器是如何激发了他对特定几何图形的兴趣，都体现了作者扎实的功底和广阔的视野。这种将艺术史写得像探案小说一样的能力，实属难得。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读过程，与其说是学习知识，不如说是一场深刻的心灵对话。它没有给我任何标准答案，而是提供了无数个思考的切入点。从莫奈花园里对光影的痴迷，到毕加索对非洲雕塑形式的借鉴，作者层层剥茧，展示了文化交流的复杂性与必然性。我印象最深的是最后关于当代艺术的讨论，作者并没有简单地收尾，而是提出了一个发人深省的问题：在全球化的今天，我们如何定义一种“本土性”的艺术表达，同时又能积极参与到世界艺术的对话中去？这种面向未来的提问，让这本书的价值超越了单纯的历史回顾。它鼓励读者，尤其是年轻的创作者，去拥抱文化的多样性，并在其中找到属于自己的创新之路。购买这本书，对我而言，无疑是一次非常值得的投资，它让我对“世界艺术”的理解上升到了一个新的维度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，在当今这个信息爆炸的时代，能找到一本深度足够且不失趣味性的书籍越来越难了。这本书成功地在两者之间找到了一个完美的平衡点。它在引用大量一手资料和西方主流研究成果的基础上，又加入了许多基于作者长期观察和研究的独到见解，这些见解往往一针见血，让人拍案叫绝。比如，它对“留白”概念在现代设计中的应用进行了深入的剖析，指出这种源自东方审美的留白，是如何在功能主义盛行的现代设计中，成为对抗过度信息轰炸的一种精神策略。这种将古代哲学智慧与当代设计实践相结合的讨论，极大地拓宽了我的思维边界。我甚至会忍不住去查阅书中提到的那些不太知名的艺术家和作品，这种引发主动探索欲的阅读体验，是任何快餐式读物都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书最让我感到震撼的地方，在于它提供了一种全新的、去中心化的视角来看待世界艺术史。我们从小接受的教育，往往将西方艺术塑造成一个独立发展、自我完善的体系，东方艺术则常常被简化为一种“异域风情”的点缀。这本书彻底打破了这种刻板印象。它没有陷入那种简单的“谁模仿了谁”的肤浅论调，而是着重探讨了“共振”和“对话”。阅读过程中，我多次停下来，重新审视那些耳熟能详的作品，比如，当作者将立体主义的解构与中国传统建筑中的多重视角表达联系起来时，我才恍然大悟，原来艺术的进步并非单线进行，而是无数文明在特定历史关口上，对视觉、空间、时间和存在的共同追问。这种跨越国界和时空的连接感，让阅读体验变得极其充实和令人振奋。它迫使你重新思考“原创性”和“影响力”的真正含义，远超出了教科书的范畴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排也相当精妙，它并不是简单地按照时间线索罗列事实，而是采用了一种主题驱动的方式。读起来节奏感很强，不会让人感到疲倦。我特别喜欢其中关于色彩哲学的章节，作者对比了中国传统矿物颜料的稳定性和西方油画对光线瞬时变化的追求，进而分析这种差异如何在抽象表现主义中找到了某种奇特的平衡点。语言风格上，它兼具了学术的严谨和散文的优美。有些段落读起来如同诗歌一般富有韵律感，尤其是在描述艺术家创作时的心境和灵感来源时，那种画面感极强。而且，作者的论证逻辑非常清晰，即便是对于非专业人士来说，也能轻松跟上其复杂的思想链条。对我来说，这不只是一本关于艺术史的书，更像是一部关于人类感知世界方式演变的思想探索录。每次翻开，都能从不同的角度捕捉到新的灵感火花。