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店铺： 善本图书专营店

出版社： PIE

ISBN：9784756249586

商品编码：15030004824

包装：平装

开本：26.2 x 25.4 x 1.6 cm

出版时间：2017-05-22

页数：160

正文语种：日英双语

触动人心的美丽风景特选

学生时代的教室、街道往来的车辆、房间阳台看去的景色、失恋时下着大雨的夜晚、和爱犬一起散步、夏天盛开的向日葵、隔着天桥的夕阳…。很多时候看似稀松平常的光景，总能轻易撩拨那些被我们选择遗忘或者埋藏在内心深处的记忆，当然，那也可能是带着怀念与愁怅的情绪。这本美丽风景情景插画精选，一共网罗40名插画家笔下充满感情的作品，包括饴村、池上幸辉、海岛千本、HJL、木皿木云、草壁、KUMAORI纯、田中宽崇…等；卷末另收录由插画家吉田诚治着手的封面作品、作画现场解说，还有全作家基本档案数据，方便同业者、想增进绘画实力的读者参考。

收录作家

あきま / 浅野 / 飴村 / 池上幸輝 / 海島千本 / HJL / カオミン / カタヒラシュンシ / 木皿木雲 / 草壁 / くまおり純 / げみ / ジャーマン☆ドッグ / ショウイチ / syo5 / 田中寛崇 / Tamaki / tigaa / ど~ら / とろっち / 中村至宏 / なつ / ナナカワ / hiko / ぴっぴ / ふぃーる / ふぉ~ど / ふすい / BoCuden / ぽち / pomodorosa / 前田ミック / mocha / もぐさ / ヤマウチシズ / ゆうこ / 楊 喩淇 / 四々九 / 吉田誠治 / loundraw

• 平装: 160页
• 语种： 日英双语
• ISBN: 4756249582
• 条形码: 9784756249586
• 商品尺寸: 26.2 x 1.3 x 24.9 cm
• 商品重量: 635 g

旅者的画卷：跨越维度的视觉叙事 《旅者的画卷：跨越维度的视觉叙事》 是一部深度探索视觉语言在构建多维叙事潜力上的权威性著作。本书并非对某一特定艺术作品集的简单罗列，而是将目光投向艺术创作的底层逻辑、媒介变迁对叙事结构的影响，以及图像学在不同文化背景下的演变路径。它旨在为严肃的艺术研究者、视觉叙事分析师以及对艺术哲学有深厚兴趣的读者，提供一个广阔的、理论驱动的分析框架。 全书结构严谨，分为四个核心部分，层层递进地解构了“场景”与“叙事”之间的复杂关系。 --- 第一部分：图像的本体论与媒介考古学 (The Ontology of Image and Media Archaeology) 本部分着重探讨“场景”这一概念在视觉艺术史中的哲学基础。我们不再关注特定场景的描绘技巧，而是追溯“场景如何成为场景”的认知过程。 1. 场景作为结构：从洞穴壁画到数字界面 本章深入分析了人类对“空间再现”的原始冲动。我们对比了史前岩画中对环境的概括性标记，与文艺复兴透视法所建立的“绝对空间”之间的张力。重点在于探讨，当艺术家试图捕捉一个“日常”或“特定时刻”时，他们是如何通过构图的法则、光影的处理，将无序的现实重塑为可被理解的“场景结构”。这里引入了法国哲学家亨利·柯尔班（Henri Corbin）关于“想象界”的理论，将其应用于视觉空间构建的分析中，论证了所有被描绘的场景，无论多么写实，都内含着一种形而上的选择。 2. 媒介的形变：从颜料到像素的物质性研究 这一章节是对媒介物质性（Materiality of Medium）的深入考察。我们摒弃了对特定画风的讨论，转而关注载体本身如何塑造了信息流。通过对古希腊陶土板（Ostraka）、中世纪羊皮纸卷轴，以及十九世纪湿版摄影术（Wet Plate Collodion）的细致考量，我们揭示了媒介的物理限制如何迫使艺术家提炼或夸大某些视觉信息。例如，早期摄影的长时间曝光如何无意中将“日常的动态”转化为“静止的幽灵”，从而改变了人们对“瞬间”的感知。本章的分析工具侧重于技术哲学，而非艺术史编年。 3. “在场”的消逝与重构：叙事中断的理论 本章讨论了当一个视觉场景被固定下来时，其所蕴含的时间性是如何被冻结的。我们借鉴了罗兰·巴特（Roland Barthes）关于“刺点”（Punctum）的思考，但将其引申至对整个叙事场域的影响。我们探讨了那些刻意模糊了时间轴、使得“现在”、“过去”和“潜在未来”在同一画面中并存的视觉策略。这是一种反叙事学的尝试，分析艺术家如何通过“信息的缺失”来迫使观众主动参与到场景的动态重建中。 --- 第二部分：跨文化语境下的视觉语法 (Visual Grammar Across Cultural Contexts) 本部分侧重于解构不同文化圈对“场景”的编码方式。研究对象不再是单一的欧洲古典艺术，而是全球范围内视觉符号系统的差异性。 4. 东方轴线：时间流动的多重透视 本章对比了中国传统山水画中的“散点透视”与西方中心焦点透视的根本区别。我们着重分析了《千里江山图》等作品中，观者是如何被引导在时间轴上进行“扫描式”的移动，而非被固定在一个瞬间。这种叙事结构如何反映了东方哲学中对“永恒运动”的理解，以及这种理解如何影响了对“日常”的捕捉——日常不再是瞬间的集合，而是绵延不绝的“气”的流动。 5. 非线性叙事：部落艺术与口头传统的视觉化 本章考察了北美原住民（如纳瓦霍人）编织艺术或澳大利亚原住民的“梦境地图”（Dreaming Tracks）等非书写系统的视觉表达。这些图像的意义高度依赖于口头解释和特定的仪式背景。我们分析了它们如何通过符号的堆叠和图腾的并置，构建了一个超越线性逻辑的“信息网络”，挑战了西方媒介对“清晰场景”的定义。 6. 符号的置换与误读：全球化语境下的图像冲突 本部分关注当一个源自特定文化语境的“场景”被移植到另一个语境时，其叙事力量是如何被削弱或扭曲的。通过对十九世纪西方艺术家对东方主义场景的描绘，以及当代全球艺术中对西方符号的挪用进行对比研究，揭示了“美丽的”或“日常的”图像如何在跨文化传播中经历意义的“损耗”与“重塑”。 --- 第三部分：情绪的建筑学：环境对主体心境的塑造 (The Architecture of Affect: Environment Shaping Subjectivity) 本部分深入心理学和美学交叉领域，研究环境细节如何成为表达内在情感状态的“建筑语言”。 7. 光影的心理场：非描述性的照明技术 我们研究了光线作为叙事工具的潜力，超越了其在写实主义中的作用（如卡拉瓦乔的明暗对比）。重点分析了那些使用非自然、象征性或极端化光线来引导观众情绪的艺术家。例如，早期表现主义画家如何使用扭曲的阴影来构建焦虑感，或者浪漫主义画家如何用模糊、弥漫的光晕来表达崇高（Sublime）的情感体验。 8. 寂静的景观：空间密度与负空间的叙事张力 本章关注“空”在构建场景中的作用。我们对比了拥挤且细节丰富的“全景式”场景与极简主义的“负空间”场景。通过对日本禅宗园林美学和现代主义建筑室内设计的分析，我们探讨了当艺术家有意去除视觉噪音时，留下的稀疏元素是如何被赋予超乎寻常的象征重量，从而使得“寂静”本身成为一个强有力的叙事声音。 9. 日常物件的异化：从使用价值到符号价值的跃迁 分析艺术家如何选取最普通的、被我们视为理所当然的日常物件——一把椅子、一扇窗户、一堆未洗的餐具——并将其从其功能性语境中剥离出来。通过分析超现实主义和静物画（Still Life）的变种，揭示了这种“异化”过程如何迫使观众重新审视习以为常的环境，从而发现日常场景下潜藏的荒谬或诗意。 --- 第四部分：未来展望：互动性与生成场景的伦理 (Interactive Futures: Ethics of Generated Scenes) 本书最后一部分将目光投向数字时代和新兴技术对“场景”概念的颠覆。 10. 沉浸式环境与身体的在场：虚拟现实中的感知重构 本章探讨了虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术如何挑战了传统二维平面叙事的界限。当场景不再是一个被观看的窗口，而是成为了一个可以被身体进入和感知的空间时，艺术家的角色从“描绘者”转变为“环境设计师”。我们探讨了这种沉浸感如何影响观众对叙事真实性的判断。 11. 算法的肖像：生成艺术中的意图与控制 最后，本书对人工智能驱动的图像生成技术进行了批判性反思。我们探讨了当“场景”的构建过程被非人类智能接管时，艺术家的“意图”如何被转化为数据流中的统计学概率。我们深入讨论了，在没有人类直接笔触或明确光影选择的情况下，一个“美丽”或“日常的”算法生成场景，在伦理和美学上应如何被界定。本书并未提供最终答案，而是为未来的视觉研究设立了新的、更具挑战性的研究议程。 《旅者的画卷》 是一部邀请读者进行深度思维的学术著作，它要求读者放下对具体图像的迷恋，转而沉浸于视觉表达背后的深层结构与哲学思辨之中。它描绘的不是一个世界，而是理解所有世界的工具箱。

评分☆☆☆☆☆

作为一本双语对照的艺术书籍，它的跨文化传播潜力是巨大的，但更让我着迷的是它所构建的那个世界的“温度”。尽管场景设定在“平行世界”，但其中的情绪表达却是如此普遍和真实。那种淡淡的忧郁、突如其来的喜悦，都被光线和阴影无声地捕捉了下来。我尤其注意到，很多场景都使用了大面积的留白，这不仅在视觉上带来了呼吸感，更让观者有空间去填补自己的想象和故事。这种留白的处理，使得每幅画都具有了开放性的解读。英国和日本的艺术语言在这种融合中产生了奇妙的化学反应，既有东方审美的含蓄与韵味，又不失西方现代设计的清晰与结构感。这本书对我而言，更像是一本视觉日记，记录了一个不存在的地方，却让我们更清晰地认识了我们自己的存在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的色彩哲学实在令人叹为观止。它并非追求现实的色彩还原，而是建立了一套属于那个平行世界的色彩规范——饱和度适中，对比度克制，但又充满了情绪张力。很多时候，一个特定的色调就能瞬间设定整个画面的基调，例如那种带着灰调的粉色和低饱和度的蓝色交织在一起，营造出一种既怀旧又新鲜的氛围。这种对色彩的精确控制，体现了插画师极高的专业素养。而且，从艺术家的角度来看，这本书在构图上的创新也值得深入研究，它们打破了传统的中心对称，引入了更多斜线和不对称的平衡，使得画面在稳定中蕴含着动态的张力。总而言之，这本书不仅仅是一次视觉享受，它更像是一本关于如何“观看”世界的艺术指南，教会我们在习以为常的场景中，去发现那些被我们忽略的，值得被记录和珍藏的瞬间之美。

评分☆☆☆☆☆

这本书的画面感真是太强了，每一页都像是一扇通往另一个世界的窗户。我一直觉得，艺术的魅力就在于它能超越语言和文化的界限，而这本画册完美地做到了这一点。插画师对于光影的运用简直炉火纯青，那种细腻入微的笔触，让我仿佛能感受到空气中尘埃的流动，以及阳光穿过树叶洒下的那种温暖。特别是描绘那些日常场景的部分，比如咖啡馆里人们低语的瞬间，或是清晨街道上忙碌的身影，都充满了生活的气息，却又带着一丝超现实的梦幻感。这本书的排版设计也非常用心，色彩的搭配和构图的平衡都体现了极高的审美水平。它不仅仅是一本画册，更像是一次视觉的深度冥想，让人在欣赏美的同时，也能感受到一种宁静的力量。我特别喜欢那种略带复古却又充满未来感的色彩基调，它成功地营造出一种“似曾相识却又全然陌生”的氛围，让人忍不住一页一页地翻下去，探索这个平行世界里的每一个角落。

评分☆☆☆☆☆

我对这本画册的结构安排感到非常惊喜。它似乎没有一个线性的时间轴，而是将不同的场景随机地打散开来，这种非线性的呈现方式，反而更贴合我们记忆中对生活片段的捕捉——常常是跳跃的、碎片化的。你可能上一秒还在一个熙攘的室内空间，下一秒就被拉到了一个空旷的室外广场，但过渡却异常自然，仿佛是灵魂在不同场景间的瞬间切换。这种叙事手法非常考验作者的画面衔接能力，而这本书无疑是成功的。原画的质感通过高品质的印刷得以完美再现，那些手工绘制的痕迹，仿佛能让人感受到画笔与纸面摩擦的沙沙声。它不是那种需要你费力去“读懂”的艺术品，它更像是一种沉浸式的体验，让你自然而然地成为那个场景中的一个短暂的过客，默默感受着那里的一切。

评分☆☆☆☆☆

这本《Everyday Scenes》的艺术风格真是让人耳目一新，它巧妙地将我们熟悉的日常元素，用一种近乎诗意的、带着疏离感的视角重新诠释。我最欣赏的是作者对细节的把控，无论是人物的微小表情，还是环境中物件的纹理，都处理得非常到位。这种精雕细琢让我感觉这不仅仅是二维的图像，而是可以触摸、可以呼吸的空间。装帧和印刷质量也十分出色，纸张的选择让色彩的饱和度和层次感得到了最大程度的展现，即便是最微小的笔触也能清晰可见。每次翻阅，我都能从中发现一些之前忽略的微妙之处，这让我对插画师的观察力和表达欲深感佩服。它没有宏大的叙事，却在每一个寻常的瞬间里蕴含了无穷的回味，仿佛在提醒我们，即使在最平凡的生活中，也隐藏着非凡的美丽。对于热爱插画艺术和视觉叙事的朋友来说，这绝对是一本值得收藏的宝典，它拓宽了我对“日常”这个概念的理解边界。