日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法

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日本漫画技法研究会 编,李伟 译
图书标签:
  • 漫画
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出版社: 中国民族摄影出版社
ISBN:9787512206014
版次:1
商品编码:11605394
包装:平装
开本:16开
出版时间:2015-01-01
用纸:胶版纸
页数:112

具体描述

编辑推荐

  

  “日本漫画手绘技法经典教程”,是日本非常经典的一套漫画绘画技法教程,自推出以来以其专业性与系统性,深受广大动漫爱好者欢迎!此次的新版经过严格、认真的修订,按内容编定顺序,重新设计封面,无论从观赏性还是可读性上都将更上一层楼。
  《人物角色的画法》是该系列的第10本,详细地讲解了绘制不同人物时需要了解的人物设定知识和技法,并通过实景步骤图的形式帮助学习者快速、直观的学习。


海报:

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内容简介

  《日本漫画手绘技法经典教程》系列是日本非常经典的一套漫画绘画技法教程,从上世纪90年代起已陆续推出几十本,其本身的专业性与系统性深受广大动漫爱好者的喜爱,并且整套图书的销量非常可观。本次我们从此套图书中精心挑选出符合中国动漫爱好者、学习者使用的图书共计17册,其中包括人物、动物、机器人以及透视、构图、人物设定等等各个漫画绘画领域,通过统一的编排和组织,重新整合出一套中国动漫人物必备的精品动漫技法图书,绝对值得每一个动漫人收藏!
  人物设定是绘制漫画人物时的第一步,是进行绘画的重中之重。本书从人物设定时必须掌握的面部、手部、脚部以及比例、表情、动态出发,详细地讲解了绘制不同人物时需要了解的人物设定知识和技法,并通过实景步骤图的形式帮助学习者快速、直观的学习,希望大家能够多多练习,尽快掌握人物设定的技巧和方法。

作者简介

  日本漫画技法研究会,是由日本制作漫画、动画片出身的专业人士所组成。于1993年创立,以日本的漫画世界为对象,开发、制作漫画技法书。

内页插图

目录

漫画家的创作生活
绘制漫画所使用的工具

第一章脸部的画法
角色脸部的画
面部表情
不同年龄的表现手法
描绘头发
变形
总结

第二章人体的画法
描绘人物角色的身体
标准人体的构成
手和脚的画法
衣褶的画法
什么是漫画的阴影
身体的变形
绘画的基本事项
总结

第三章 人物角色的画法
漫画的3大要素
网点纸的应用
创作角色
各种各样的角色类型
总结

前言/序言


《日式动漫人物造型绘制图典》 —— 掌握动漫人物角色的灵魂与神韵 翻开这本书,你将踏上一段探索动漫人物角色塑造奥秘的旅程。我们不仅关注形体的描绘,更致力于挖掘角色内心的情感与性格,将二维的线条赋予鲜活的生命力。本书旨在为所有热爱动漫、渴望创作属于自己独特角色的绘画爱好者提供一套系统、深入且极具实操性的指导。 【核心理念:由内而外的角色塑造】 在本书的创作过程中,我们始终秉持一个核心理念:成功的角色设计,始于对其内在世界的理解,而后通过外在的视觉呈现得以体现。因此,本书的章节编排并非单纯的“脸部怎么画”、“身体怎么画”,而是从更深层次出发,引导读者理解角色是如何“活”起来的。 第一部分:角色灵魂的塑造——性格与背景的视觉化 第一章:角色性格解剖学:从气质到表情的细微差别 我们深入剖析不同性格类型(如开朗活泼、沉默内敛、腹黑腹诽、傲娇别扭、热血冲动等)在面部特征、体态姿势、眼神运用上会呈现出哪些典型表现。 通过大量的对比案例,讲解如何通过眉毛的形状与走向、眼睑的开合度、嘴角弧度、面部肌肉的细微牵动,来精准传达喜怒哀乐、自信怯懦、狡黠纯真等复杂情感。 学习如何通过夸张与写实的结合,创造出富有辨识度的面部特征,让角色的一颦一笑都能牵动读者的心。 第二章:背景故事的力量:为角色注入深度与独特性 探讨角色的成长环境、职业、经历如何潜移默化地影响其外貌、服饰乃至行为习惯。 举例分析不同文化背景、社会阶层、时代设定下的角色设计差异,以及这些差异如何增强故事的真实感与感染力。 教授如何通过角色的“装备”——服装、道具、配饰——来巧妙地叙述其故事,隐藏其秘密,或彰显其身份。例如,一把饱经风霜的剑诉说着战斗的痕迹,一件精致的胸针可能隐藏着家族的传承。 第三章:体型与体态的语言:用骨骼与肌肉讲故事 在理解了角色的性格与背景后,本书将着重讲解如何将其转化为具象的体型与体态。 从基础的骨骼结构入手,讲解不同年龄、性别、体格(健壮、纤细、矮小、高挑等)的身体比例特点。 重点阐述体态语言的运用:站姿、坐姿、行走、奔跑、战斗姿态,甚至是不经意间的肢体小动作,如何揭示角色的自信程度、疲惫状态、警戒意识或放松心情。 深入讲解肌肉的表现力,如何在保持动漫风格的同时,恰当地展现肌肉的张力与体积感,使角色更具力量感或柔美感。 第二部分:角色的视觉构建——从基础到精炼 第四章:面部表情的深度刻画:眼睛、鼻子、嘴巴的十八般武艺 本书将打破“眼睛是灵魂之窗”的传统说法,从更全面的角度解读面部五官的绘制。 眼睛:不仅讲解瞳孔、虹膜、眼白、眼睑的绘制技巧,更深入分析不同形状的眼睛(圆眼、细长眼、丹凤眼、三角眼等)如何传递出不同的神态。学习如何通过高光、阴影、睫毛的排列来增加眼睛的灵动感与立体感。 鼻子:从侧面、正面、四分之三侧面等不同角度,讲解鼻梁、鼻翼、鼻尖的绘制要点,以及如何通过鼻孔的开合表现情绪。 嘴巴:分析嘴唇的厚薄、嘴角的变化、牙齿的咬合,如何传递微笑、嘟嘴、咬牙切齿等丰富表情。学习如何处理嘴巴的体积感和与脸颊的衔接。 耳朵与脸型:讲解不同脸型的绘制要点,如何通过额头、颧骨、下巴的曲线变化来塑造各具特色的脸庞。同时,也会深入讲解耳朵的结构与在不同发型下的隐藏与露出。 第五章:发型的艺术:千变万化的视觉符号 发型是角色造型的重要组成部分。本书将引导读者掌握绘制各种长度、形状、质感的发型。 从发丝的走向、体积感、蓬松度入手,讲解如何绘制飘逸的长发、干练的短发、俏皮的卷发、整齐的刘海等。 重点分析发型如何与角色性格、身份、甚至情绪相呼应。例如,凌乱的发丝可能暗示着刚刚经历了一场恶战,整齐的发髻则可能代表着严谨的性格。 学习如何处理头发的光影,使其更具立体感与动感。 第六章:服装与道具的设计:信息传递与风格烘托 服装不仅仅是遮盖身体的布料,更是角色故事、性格、世界观的重要载体。 本书将引导读者学习设计符合角色设定的服装,从风格(现代、奇幻、复古、科幻等)、功能性(战斗服、日常服、制服等)到细节装饰(纽扣、拉链、徽章、纹理等),都进行详细讲解。 学习如何表现不同材质的服装(丝绸的垂坠、皮革的硬挺、棉麻的质朴等),以及布料在动作中的褶皱与动态。 探讨如何巧妙运用道具(武器、背包、首饰、书籍等)来丰富角色形象,传递信息,甚至成为推动剧情发展的关键。 第七章:动态与透视的挑战:让角色动起来 仅仅静态的人物立绘不足以展现角色的魅力,动态的表现至关重要。 本书将系统讲解人体动态的基本原理,如重心、平衡、脊柱的S形弯曲、关节的转动等,让角色看起来自然且富有生命力。 重点讲解透视在人物绘制中的应用,如何通过透视的变化来表现人物的远近、高低,以及营造空间感和冲击力。 学习绘制不同运动状态下的角色,如跳跃、奔跑、跌倒、施展技能等,并为这些动作赋予恰当的视觉表现。 第三部分:进阶修炼与风格探索 第八章:光影的魔术:塑造立体感与氛围 光影是赋予角色立体感和情绪的关键。本书将深入探讨不同光源(顶光、侧光、逆光、散射光等)对人物造型的影响。 学习如何根据角色设定和场景氛围来选择合适的光影表现方式。例如,柔和的光影营造温馨气氛,硬朗的光影突出力量感。 讲解阴影的绘制技巧,包括明暗交界线、反光、投影等,以及如何通过阴影的深浅和范围来表现体积和空间。 第九章:不同风格的人物描绘:突破局限,塑造个性 本书不会局限于单一的绘画风格,而是会引导读者尝试与理解不同动漫风格的人物特点。 通过对比分析Q版、写实、少女漫、少年漫、青年漫等不同风格在人物比例、面部特征、线条运用、色彩表现上的差异。 鼓励读者在理解基础理论后,大胆尝试融合与创新,逐渐形成自己独特的绘画风格。 提供一些常用的风格化处理技巧,例如如何通过特殊的笔触、线条粗细变化、色彩搭配来突出角色的个性化魅力。 第十章:场景与角色的互动:构建生动的画面 再出色的角色也需要置于环境中才能真正“活”起来。 本书将讲解如何将角色与场景进行有机结合,包括场景对角色的影响(如阴影投射、光线反射)、角色在场景中的位置与互动。 学习如何通过环境细节来烘托角色情绪,强化故事氛围,例如阴暗的背景衬托角色的孤独,繁华的街景展现角色的活力。 提供一些构图的思路,如何引导观者视线,突出角色主体,以及如何利用场景元素来丰富画面。 【本书的独特之处】 海量实战案例分析:书中包含大量的原创插画、线稿、步骤图,涵盖了从草图到最终上色的完整过程,让读者能够直观地学习和模仿。 详尽的步骤分解:每个绘制技巧都经过细致的分解,从最基础的几何形体到复杂的细节处理,层层递进,确保初学者也能轻松理解。 强调“思考”而非“模仿”:本书并非提供一套死板的模板,而是鼓励读者理解背后的逻辑与原理,学会举一反三,最终能够独立创造出属于自己的角色。 覆盖多种角色类型:从少年少女到青年男女,从可爱萌系到帅气硬朗,各种年龄、性别、性格的角色都有涉及,满足不同读者的创作需求。 附赠高价值学习资源:本书可能还会附赠可供练习的线稿素材、参考图集等,进一步提升学习的效率与乐趣。 【目标读者】 所有对动漫角色设计充满热情,渴望提升绘画技能的初学者。 希望深化对人物造型理解,掌握更细腻情感表达的进阶画师。 有志于从事动漫、游戏、插画等行业的未来创作者。 任何想要将脑海中鲜活的角色形象转化为视觉作品的艺术爱好者。 翻开《日式动漫人物造型绘制图典》,让你的角色不再只是线条的堆砌,而是拥有灵魂、故事与无限魅力的生命。踏上这场奇妙的创作之旅,描绘出属于你的独特动漫世界!

用户评价

评分

评价七 这是一本让我重新审视“比例”与“透视”在人物绘制中重要性的教程。《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,并没有像一些速成教程那样,直接丢给你几个模板,而是从最基础的人体比例开始,循序渐进地引导读者理解。我尤其赞赏书中对于“黄金比例”和“三头身、五头身、七头身”等概念的讲解,它让我明白了漫画人物的身体比例并非随意设定,而是需要遵循一定的规律才能达到视觉上的和谐。书中提供了大量的比例参考图,从儿童到成人,从男性到女性,每一种都有详细的测量和标注。我曾经对人物的四肢长度、头部与身体的比例感到困惑,但通过这本书,我能够更有条理地去测量和调整,从而画出更协调的人物。另外,书中关于“透视”的讲解也十分到位。它不仅仅是讲解基础的平行透视和汇聚透视,更是将其巧妙地运用到人物的绘制中。例如,在描绘仰视或俯视的人物时,书中通过对身体各部分形变的详细讲解,让我能够理解为什么在不同的角度下,人物的比例和形状会有所不同。我尝试着画了一些视角刁钻的人物,以前总会画得畸形怪异,但现在,我能够根据书中提供的透视原理,绘制出具有空间感的、符合逻辑的人物形象。

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评价八 《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,给我最大的启发是它关于“人物性格塑造”的深入探讨。这本书不仅仅是教授绘画技巧,更是通过绘画技巧来服务于人物性格的塑造,这一点做得非常出色。书中通过大量的案例分析,展示了如何通过人物的五官、体型、姿势、服装甚至是一些细微的表情来体现其内在性格。例如,一个拥有锐利眼神、挺拔身姿、穿着简洁干练服装的角色,立刻会给人一种自信、果断的印象;而一个眼神迷茫、身材圆润、穿着宽松舒适服装的角色,则可能显得温和、随性。书中还专门讲解了如何通过“眼神”来传达角色的内心世界。例如,一个眼神清澈、充满好奇的角色,和一个眼神深邃、隐藏着故事的角色,在绘制上会有很大的不同。我从中学习到了如何通过瞳孔的大小、眼白的多少、眼神的聚焦与否来表达角色的情感和性格。此外,书中还强调了“身体语言”在性格塑造中的作用。一个坐姿端庄、双手交叠的角色,和一个盘腿而坐、肢体舒展的角色,给人的感觉截然不同。这本书让我明白,漫画人物的塑造是一个整体的工程,每一个细节都不能忽视,它们共同构成了角色的独特性格。

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评价五 对于《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,我最想称赞的是它对“线条”运用的极致追求。漫画的魅力很大程度上就体现在那些富有表现力的线条上,而这本书则将线条的艺术发挥到了极致。它不只是告诉你画直线、曲线,而是深入浅出地讲解了不同线条的粗细、疏密、虚实、力度如何影响画面的整体感觉和人物的情绪。我印象特别深刻的是,书中有一章专门讲解了“速度线”和“力量线”的运用。这些线条不仅仅是装饰,而是能够直接传达出角色的运动速度、冲击力甚至是内心的情绪波动。例如,在绘制角色挥拳的瞬间,通过运用短促、锐利的粗线条,以及围绕拳头的放射状的速度线,可以极大地增强画面的动感和力量感。相反,在描绘角色沉思或忧伤的场景时,则会大量使用柔和、流畅的细线条,甚至是一些断续的虚线,来营造一种宁静、内敛的氛围。书中还详细讲解了“墨色”的运用,包括如何通过不同程度的浓淡来表现光影,以及如何利用墨色的晕染来增加画面的层次感和质感。我尝试着运用书中讲解的“飞白”技法,来描绘飘动的头发或衣角,发现果然能让画面增添不少灵动之感。这本书让我意识到,线条不仅仅是构成画面的基本元素,更是漫画家表达情感、塑造氛围的有力武器。

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评价三 这本书的精髓在于它对漫画人物“表情”的细腻捕捉和系统讲解。之前我画人物,总觉得他们的表情不够丰富,常常只能画出几种基础的喜怒哀乐,难以表达角色更深层次的情感。但《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,简直是我的表情绘制“教科书”。它不仅列举了各种基础表情,更重要的是,它剖析了这些表情是如何通过面部肌肉的细微变化来产生的。比如,关于“微笑”的绘制,书中就区分了真诚的笑容、礼貌的微笑、嘲讽的微笑,以及不同笑容在眼角、嘴角、脸颊肌肉走向上的差异。我印象深刻的是,书中用大量的图例展示了脸部肌肉收缩时,皮肤表面的褶皱和纹理会如何变化,这对于新手来说,是极其宝贵的经验。通过书中对于眉毛、眼皮、嘴角、鼻翼两侧法令纹等关键部位的讲解,我学会了如何通过调整这些细节来传达角色的微妙情绪。例如,在表现角色的“疑惑”时,仅仅是皱眉是不够的,还需要配合微微倾斜的头部、眼神的飘忽不定,以及有时会不自觉地抿紧嘴唇的动作。书中提供了大量的“表情集”,覆盖了从微妙的尴尬到极度的绝望,每一种表情都配有详细的绘制步骤和对肌肉运动的解释。我反复练习书中关于“惊恐”和“悲伤”的绘制,以前总觉得画出的角色看起来很刻意,但现在,我能更好地捕捉到人物内心世界的波动,并将它们转化为具有感染力的面部表情。

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评价十 《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,最让我惊喜的是它将“细节”的力量发挥到了极致。它不仅仅是教你如何画出人物的整体,更是引导你去关注那些能够让人物“活起来”的微小之处。从头发丝的走向、耳垂的形状,到手指关节的微微弯曲、脚趾的细微姿态,书中都进行了细致的描绘和讲解。我曾经画人物,总觉得他们像是用橡皮泥捏出来的,缺乏灵动感,而这本书让我意识到了细节的重要性。书中有一章专门讲解了如何绘制“手部”,而手是漫画人物中最难绘制的部分之一。书中详细分析了手指的骨骼结构,以及在不同姿势下,手指关节的弯曲程度和皮肤的褶皱。我尝试着按照书中的方法,绘制了一双手,惊喜地发现,它比我以前画的要自然和富有表现力得多。另外,书中还讲解了如何通过“服装上的小装饰”来丰富人物形象。例如,一个别致的胸针、一条随风飘动的围巾,甚至是一颗纽扣的松动,都能够为角色增添个性和故事感。这本书让我明白,细节是构成人物灵魂的关键,它们虽然微小,却能够极大地提升人物的真实感和感染力,让读者在看到角色的一瞬间,就能感受到角色的个性和情感。

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评价九 《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,让我体会到了“光影”在人物塑造中的魔力。很多时候,我们画的人物虽然线条流畅,但总显得平面,缺乏立体感,这本书则成功地解决了这个问题。它不仅仅是简单地告诉你哪里是亮部,哪里是暗部,而是深入讲解了光线是如何照射在人物身上,以及不同的光照方向和强度如何影响人物的明暗分布和体积感。我印象最深刻的是,书中关于“体积感”的讲解,它通过分析光线如何沿着人物的曲面流动,以及在转折处形成明显的明暗交界线,来强调人物的立体感。例如,在描绘圆形的脸部轮廓时,书中展示了如何通过渐变的灰度来模拟光线从一侧照射过来的效果,从而让脸部显得更加饱满和富有立体感。书中还提供了大量的“光影实例”,包括顶光、侧光、逆光等不同光源下的阴影表现,以及它们如何影响人物的面部特征和身体轮廓。我尝试着运用书中讲解的“高光”和“反光”技巧,来描绘金属质感的人物服饰,发现效果出奇地好。这本书让我明白,光影不仅仅是让画面看起来更“真实”,更是能够烘托人物情绪、营造氛围,甚至赋予人物生命力的重要手段。

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评价一 读完《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,我最大的感受是它将漫画人物绘制的复杂过程拆解得异常清晰。就拿眼睛的绘制来说,书中不仅仅是简单地展示了几种眼型,而是深入剖析了不同角色的性格、年龄、性别如何通过眼睛的形状、大小、瞳孔的深浅、眼皮的弧度以及眼神的传达来体现。我记得其中有一章专门讲解了如何通过眼白与瞳孔的比例来表现角色的惊恐、愤怒、惊讶或是沉思,这让我豁然开朗。之前我画人物,总觉得眼睛缺乏神采,像是没有灵魂的玩偶,但这本书让我明白了,眼睛是心灵的窗户,它不仅仅是画面的焦点,更是角色情感的载体。书中还提供了大量的实例,从少女漫画中清澈灵动的双眸,到热血少年漫画中炯炯有神的目光,再到写实风格漫画中深邃复杂的眼神,每一种都配有详细的绘制步骤和线条的变化说明。我尝试着模仿了几种,特别是描绘人物情绪的眼睛时,惊喜地发现自己笔下的角色真的“活”了起来。此外,对于发型的处理,书中的讲解也相当到位。不是简单地画出几绺头发,而是从头骨结构出发,分析头发的走向、厚度、光泽以及如何通过发丝的疏密和层次来表现角色的气质和动态。比如说,蓬松凌乱的发型如何表现角色的不羁,服帖柔顺的头发又如何展现角色的优雅,这些细节的刻画,让人物形象更加立体饱满。这本书对于新手来说,绝对是一本不可多得的宝藏,即使是有些绘画基础的朋友,也能从中获得新的启发。

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评价六 《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,给我的感觉是它将“动态”的魅力展现得淋漓尽致。很多时候,我们画出来的角色都显得“站着”,缺乏生命力,而这本书恰恰弥补了这一短板。它从人体的基本结构出发,深入剖析了各种动态是如何通过身体的重心转移、肌肉的张力以及四肢的协调来表现的。书中提供了大量的姿势参考,不仅仅是静态的站立、坐卧,更有跑、跳、打斗等一系列复杂的动态。我特别喜欢其中关于“重心”的讲解,它让我明白,任何一个动作,其核心都是重心的变化,而身体的各个部分则是围绕着重心进行协调运动的。比如,在绘制角色跳跃时,书中详细分解了起跳、滞空、落地三个阶段的身体姿态,以及在每个阶段,身体各部分的受力点和姿势的变化。通过学习这些,我能够更准确地画出角色富有弹性和爆发力的动作。此外,书中对于“表情”和“动态”的结合也做得相当出色。它不仅仅是教你画出什么样的动作,更是教你如何通过动作来表达角色的情感。例如,一个垂头丧气的动作,配合上低垂的眉毛和无神的眼睛,就能准确地传达出角色的沮丧和失落。这本书让我学会了用身体的语言来讲述故事,让我的漫画角色不再是冰冷的形象,而是鲜活的生命。

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评价二 《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,可以说是一次深度的人物结构与表现力探索之旅。它并没有止步于简单的“画出一个人形”的层面,而是引导读者去理解支撑起人物的骨骼和肌肉。这一点在我看来至关重要。书中的一些章节,花费了大量篇幅去讲解人体骨骼的比例和结构,以及不同肌肉群在运动和静态时的变化。比如,对于肩部和颈部的绘制,书中详细解释了因为斜方肌、胸锁乳突肌等肌肉的走向和体积,使得肩颈部并非简单的直线连接,而是充满了微妙的弧度和转折。这让我之前画人物时感觉“僵硬”的问题得到了根本性的解决。通过学习书中提供的骨骼透视图和肌肉示意图,我开始能够更准确地把握身体的重心、四肢的关节活动范围,以及如何让人物在各种姿势下都显得自然且富有力量感。特别是在描绘运动中的人物时,书中对动态线条的运用和对身体关节受力的讲解,简直是神来之笔。我尝试着画几个奔跑、跳跃的动作,以前总是画得四肢扭曲,比例失调,但现在,我能根据书中的引导,找到身体的“轴心”,让动作流畅且充满张力。另外,书中对于不同体型人物的刻画也给了我很多启发。从纤细的少女到健硕的肌肉男,再到圆润的胖子,每一种体型的骨骼和脂肪分布特点都被细致地描绘出来,让我能够根据角色的设定,画出独具辨识度的身体特征,而不是千篇一律的面孔。

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评价四 《日本漫画手绘技法经典教程(10):人物角色的画法》这本书,在我看来,是一本真正将“服装”与“人物”完美融合的教程。很多漫画教程往往只关注人物的骨骼和五官,却忽略了服装在塑造角色形象上的重要性。这本书在这方面做得非常出色。它不仅仅是教你如何画出衣服的轮廓,而是深入讲解了不同材质、不同款式的服装在人体上的褶皱、垂坠以及光影变化。我记得书中有一章专门讲解了如何绘制丝绸、棉麻、皮革等不同材质的布料,通过对布料反光度、垂坠感和褶皱方式的细致描绘,让衣服看起来更加真实可信。例如,丝绸的垂坠感和反光更强,会在重力作用下形成流畅的S形褶皱;而粗糙的棉麻则更硬挺,褶皱会显得更粗犷。这本书还教导我如何根据人物的体型和姿势来绘制服装的褶皱。同一个动作,穿在不同身材的人身上,衣服的褶皱也会有所不同。书中通过大量的实例,展示了衣服在人物弯腰、伸展、坐下等不同姿势下,褶皱是如何产生的,以及这些褶皱如何进一步强调人物的动作和身体的轮廓。更让我惊喜的是,书中还讲解了如何利用服装的细节来烘托角色的性格。例如,一件带有精致蕾丝花边的连衣裙,会立刻让人联想到温柔、淑女的女性角色;而一件破旧、沾满污渍的工装,则暗示着角色的经历和生活状态。这本书让我明白了,服装不仅仅是身体的遮盖物,更是角色性格、身份和故事的延伸。

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好...................

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不想吐槽,,,,,,,,,

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有错别字,书的封面有点痕迹,折痕吧?

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