中国民族器乐重奏合奏教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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史玥，杨春林 著

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• 民族器乐
• 器乐合奏
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• 音乐教育
• 中国音乐
• 器乐演奏
• 合奏技巧
• 民族音乐

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810965798

版次：1

商品编码：11393190

包装：平装

开本：8开

出版时间：2014-01-01

用纸：轻型纸

页数：259

字数：680000

正文语种：中文

内容简介

　　《中国民族器乐重奏合奏教程》编者长期从事学生乐团的训练，故对学生乐团的训练具有丰富的经验，对学生乐团的曲目需求也有最直接的了解。编者作为指挥家，对于大量的合奏、重奏作品都非常熟悉和了解，也进行过对比研究。同时，作为作曲家，他亦曾根据各类乐团的训练需求创作和改编了大量的作品。
　　本教程选择了重奏、小合奏、大合奏三种器乐演奏形式，同时根据曲目的难易程度分为初级、中级、高级三个级别，每个级别选择三首曲目。
　　本教程除了分级分类以外，还有一个重要的特点，就是每一首乐曲除了总谱以外，还配有乐曲说明和演奏提示，并对乐曲的调性、调式、节拍、和声、配器、复调、曲式等进行了详细的讲解。这两个部分为指挥和负责排练的人理解作品提供了重要的依据，同时也为学生们理解与演奏有关的音乐理论提供了方便。
　　全世界学校教育遵循的都是（分级）分组教学的原则，选择曲目时也会根据年级的高低来决定难易程度所学曲目的，所以本教程非常适合艺术类院校的逐级训练，为艺术类院校在重奏、合奏的教学上提供了很大的方便。
　　此教程也适合非职业类乐团，特别是学校乐团。因学校乐团成员本身来自不同的年级，所以他们可以根据自身的水平选择曲目进行训练，也可以根据自身的发展年限和当前水平按照教程进行训练。
　　《中国民族器乐重奏合奏教程》填补了国内外音乐教程的空白，使得训练有级可依、有章可循，对于民族管弦乐团的发展起到了很好的规范作用和理性依据。

作者简介

杨春林，指挥家兼作曲家，毕业于中央音乐学院指挥系，现为中国音乐家协会会员，中国人民大学兼职教授，解放军艺术学院客席教授，中国戏曲学院音乐系客席教授，南昌大学音乐学院客席教授，临沂师范学院音乐学院客席教授，香港新声国乐团顾问，北京大学中乐学社顾问，中央民族歌舞团客席指挥，炎黄国乐团艺术总监，中国东方歌舞团国家一级指挥。

长期以来从事中国民族音乐特别是民族管弦乐的指挥、创作、演出及研究。在国内曾与中央乐团、中国歌剧芭蕾剧院交响乐团、中国歌剧舞剧院交响乐团和民族乐团、中央民族乐团、中国广播民族乐团、中国电影乐团、中央音乐学院青年民族乐团等许多著名乐团进行过卓有成效的合作。2002年带领江苏省江阴市天华艺术学校民族乐团在奥地利维也纳金色大厅演出，为中国在此音乐厅演出的第一个艺术院校民族乐团。

2006年担任文化部《全国首届歌舞杂技优秀剧目展演》评委；2007年担任中央电视台首届民族器乐大奖赛复赛、半决赛、决赛评委；连续五届担任马来西亚华乐大赛评审和客席作曲；2009年担任中央电视台第二届民族器乐大奖赛半决赛、决赛评委。

在繁忙的指挥工作之余仍坚持各种音乐作品的创作。主要作品有：民乐合奏《音乐会序曲》、《茉莉花开知多少》、《梅花吟》、《行云》，双胡琴协奏曲《长恨歌》，琵琶随想曲《千秋颂》及民族交响诗《龙魂》等。出版个人作品专辑有CD《幽兰》、《秋菊》、《花神》。亦有多篇论文在专业音乐杂志上刊登。曾出访过美国、德国、法国、朝鲜、比利时、荷兰、马来西亚等国家。

史玥，青年扬琴演奏家，首都师范大学音乐学院、科德学院教师，中央音乐学院硕士研究生毕业，中国民族管弦乐学会扬琴理事，世界扬琴协会（CWA）会员，民进首都师大基层委员会支委。出生于北京音乐世家，四岁随父学习扬琴，师从著名音乐家、教育家钱方平教授、桂习礼教授、黄河教授、刘月宁教授，并得到过项祖华教授的悉心指点。

曾在“星海杯”民族器乐比赛中连续夺得了三个一等奖，成为唯一一名获得三连冠的选手；2002年获“中国青少年艺术大赛第一届民族乐器独奏比赛”演奏奖；2007年获“北京市器乐演奏大赛”成人组第一名。

曾在北京、南京、香港等地举办过多场扬琴独奏音乐会，巡演于国内多个城市，并出访美洲、欧洲、亚洲、澳洲等国家和地区。多次参加在国外举办的“中国文化节”、爱沙尼亚的“亚洲古乐节”等音乐节。2008年春节在维也纳金色大厅首演扬琴作品，意义深远。多次接受外国媒体及中央电视台的采访，得到了外交部长杨洁篪、音乐人谭盾、基辛格博士秘书等人的高度赞誉，还得到国家领导人江泽民、刘延东同志的亲切接见。

1998年成功组建“林月冉冉”民乐组合，该演奏组是目前活跃在乐坛上的唯一一个研究生学历组合。曾出版过《弦韵——史玥扬琴独奏音乐会》、《Millennium Symphony Concert》（扬琴与交响乐协奏音乐会）、《中国扬琴基本曲集》（参与录制）、《基础知识系列——少儿学民乐》（上、下）、《少儿扬琴起步教程》、《少儿扬琴演奏技巧》、《灵动——史玥扬琴演奏CD》，具有灵活、华丽、深情的演奏风格，素有“扬琴公主”的美誉。个人扬琴网站：www．ivyshi.com.

目录

分级分类教程理念、原则和意义

简论重奏与合奏

一、初级曲目

1.梅竹图（二重奏）

2.江南情韵（小合奏）

3.金蛇狂舞（大合奏）

二、中级曲目

1.平湖秋月（四重奏）

2.美丽的凤尾竹（小合奏）

3.茉莉花开知多少（大合奏）

三、高级曲目

1.行云（八重奏）

2.丝竹新韵（小合奏）

3.热情奏响（大合奏）

前言/序言

前　　 言

中华音乐历史悠久，博大精深，形式多样，内涵丰富。中国民族器乐是中华民族传统音乐文化中的重要组成部分，数千年来，在民间音乐、宫廷音乐、戏曲音乐和宗教音乐等方面都起到了重要的作用，为中华文化发展贡献了自己的力量。

时至近代，中西方文化开始交流。在西方的音乐理论和演奏形式的影响下，20世纪50年代出现的新型民族管弦乐团开启了中华民族器乐音乐的新纪元。这种新型民族管弦乐团的建制大部分由中国民族乐器组成，同时也引进了部分西方乐器。在音乐表现形式方面，新型乐团打破了中国传统音乐基本建立在单声部音乐基础上的模式，并借鉴西方音乐理论中的和声、配器、曲式理论，引进了多声部的音乐表现形式。新型的乐团为中国民族器乐的创作提供了新的载体，推进了民族器乐合奏作品数量和质量的发展，带动了中小型合奏以及重奏作品的创作。

在作品数量较多的情况下，往往存在着乐团根据水平选择作品的问题，特别是艺术院校以及非职业的学生乐团，往往需要遵循由低到高这样的级别模式来选择训练曲目。面对大量的作品进行选择，并对作品进行定级及分类，这显然是一件非常困难的事情。为此，《中国民族器乐重奏合奏教程》就应运而生了。

本书编者长期从事学生乐团的训练，故对学生乐团的训练具有丰富的经验，对学生乐团的曲目需求也有最直接的了解。编者作为指挥家，对于大量的合奏、重奏作品都非常熟悉和了解，也进行过对比研究。同时，作为作曲家，他亦曾根据各类乐团的训练需求创作和改编了大量的作品。

本教程选择了重奏、小合奏、大合奏三种器乐演奏形式，同时根据曲目的难易程度分为初级、中级、高级三个级别，每个级别选择三首曲目。

本教程除了分级分类以外，还有一个重要的特点，就是每一首乐曲除了总谱以外，还配有乐曲说明和演奏提示，并对乐曲的调性、调式、节拍、和声、配器、复调、曲式等进行了详细的讲解。这两个部分为指挥和负责排练的人理解作品提供了重要的依据，同时也为学生们理解与演奏有关的音乐理论提供了方便。

全世界学校教育遵循的都是（分级）分组教学的原则，选择曲目时也会根据年级的高低来决定难易程度所学曲目的，所以本教程非常适合艺术类院校的逐级训练，为艺术类院校在重奏、合奏的教学上提供了很大的方便。

此教程也适合非职业类乐团，特别是学校乐团。因学校乐团成员本身来自不同的年级，所以他们可以根据自身的水平选择曲目进行训练，也可以根据自身的发展年限和当前水平按照教程进行训练。

《中国民族器乐重奏合奏教程》填补了国内外音乐教程的空白，使得训练有级可依、有章可循，对于民族管弦乐团的发展起到了很好的规范作用和理性依据。

目前，随着中国民族管弦乐的发展，其影响已经遍及中国大陆、香港、澳门、台湾等地区，以及新加坡、马来西亚、日本等国家，而且发展势头呈上升趋势。在此种情况下，分级分类教程的出现必将对中国民族器乐的发展起到一定的推动作用。

本教程是一种新的尝试，书中难免有不足之处，如有好的建议和意见，请与我们分享。

好的，以下是关于一本名为《中国民族器乐重奏合奏教程》的图书简介，内容详实，不包含该书本身的信息： --- 《丝竹雅韵：中国传统器乐的意境与技法探析》 一本深度挖掘中国传统器乐表演精髓与文化内涵的专著 导言：在历史的河流中回响的声响 中国传统音乐，如同一部绵延数千年的宏大史诗，以其独特的音高体系、调式结构和丰富的演奏技法，构筑了一个博大精深的艺术殿堂。本书《丝竹雅韵：中国传统器乐的意境与技法探析》并非一本面向初学者的入门教材，而是一部旨在深入剖析中国独奏、小型室内乐以及特定历史时期大型乐队的艺术特征、美学思想及其演奏实践的学术性论著。 我们聚焦于那些在历史长河中沉淀下来的独特音乐形态——从先秦的雅乐遗风，到唐宋宫廷的燕乐精粹，再到明清文人雅集的“清曲”与民间“堂会”音乐。本书旨在引导读者超越单纯的技法学习，进入对中国器乐“神韵”的体悟，理解其背后所蕴含的哲学思考与人文情怀。 第一部分：器物之源与流派分野——历史的纵深透视 本部分着重梳理了中国主要民族乐器的起源、演变及其在不同历史阶段的功能差异。我们不拘泥于乐器分类的表面现象，而是深入探讨乐器在特定社会结构和审美需求下的功能转换。 一、 弓弦的叙事：从古琴到板胡的内心独白 本章详细考察了中国拉弦乐器群落的演变脉络。重点解析了古琴（七弦琴）在文人阶层中的地位，探究其“寂寞之道”的审美哲学，以及如何通过“吟、猱、绰、注”等技法实现对自然意象和个体情感的精确表达。同时，对比分析了二胡、京胡、板胡等民间拉弦乐器如何适应戏曲伴奏和民间说唱的需要，展现出更为强烈的地域色彩和叙事功能。我们特别分析了近代以来弓弦乐器在融入西方交响乐体系（如“新国乐”探索）中所面临的结构性挑战与创新路径。 二、 气韵的流转：管乐器中的呼吸哲学 管乐器，如笛、箫、笙、唢呐，是“气”的直接体现。本章的核心在于探讨中国管乐中对“气口”的极致运用。以竹笛为例，本书细致分析了不同地域流派（如南派的婉约与北派的粗犷）在指法、气息控制上的差异，以及如何通过“花舌”、“盘舌”等技巧模仿自然之声。对于笙，则侧重于探讨其复调和声的可能性，追溯其在雅乐与宗教音乐中的神圣地位，并剖析其在现代民族管弦乐队中的和声构建作用。 三、 弹拨的回响：指尖下的宇宙观 弹拨乐器涵盖了古筝、琵琶、阮等。本章的重点在于揭示这些乐器在演奏技法上所蕴含的严谨性。琵琶的“轮、扫、扫、挑”不仅是技巧的堆砌，更是对时间感和空间感的精确把握。本书引入了对传统琵琶武曲和文曲结构分析，探讨如何通过密集的颗粒性音色描绘战争场景或抒发幽微心绪。古筝的技法研究则侧重于其在不同流派（如山东筝、客家筝）中对音色颗粒感和律动的不同偏好。 第二部分：曲式结构与审美意境——音乐的内在逻辑 本部分从结构和美学角度，对中国器乐作品进行深层次的解析，揭示其非西方化的结构逻辑和独特的审美追求。 一、 结构思维的差异：从“单元式”到“段落式”的构建 中国传统器乐作品（尤其独奏曲）往往不遵循西方奏鸣曲式的“呈示-发展-再现”模式，而是采用单元式（或称段落式）的自由展开结构。本书详细阐述了这种结构如何通过主题的反复、变奏、扩展和减缩来构建音乐的张力。我们将以著名的《十面埋伏》或《梅花三弄》为例，展示主题动机如何像藤蔓一样自然生长，而非机械地被组织起来。 二、 意象的营造：音乐中的“言外之意” 中国器乐美学强调“韵外之致”和“弦外之音”。本章深入探讨了中国音乐中“意象”的表达方式。例如，如何用减弱的力度和拖长的延长音来暗示“空寂”；如何运用装饰音的密集与稀疏来比拟“风雨”或“鸟鸣”。这是一种高度提炼和象征性的表达方式，要求演奏者具备极高的音乐理解力和内省能力。 三、 速度与节奏的弹性：生命的律动 与西方音乐中严格的节拍概念不同，中国器乐，特别是独奏曲，在速度和节奏上具有高度的弹性（Rubato）和自由度。本书详细辨析了“散板”、“慢板”、“行板”等速度标记背后的文化含义，探讨了演奏者如何在不破坏整体连贯性的前提下，对节奏进行精细的呼吸和微调，以契合音乐所要表达的内在情绪波动。 第三部分：特定情境下的器乐实践——从雅集到戏曲 本部分将视角从纯粹的器乐本身，扩展到其在特定历史场景中的实际应用，展示器乐如何成为社会生活和艺术活动的有机组成部分。 一、 古代雅集中的“清乐”与“燕乐”辨析 本书追溯了中国古代宫廷音乐的两个主要系统——清乐（象征庄重与秩序）和燕乐（服务于宴饮娱乐）。我们分析了在这些场合中，特定乐器的组合（如编钟、编磬与管弦乐的配合）如何服务于礼仪和氛围的营造，以及这些音乐形态对后世文人音乐（如琴学）产生的深远影响。 二、 戏曲伴奏：器乐的“叙事腔调” 戏曲是中国器乐艺术的集大成者之一。本章重点分析了戏曲乐队的构成及其功能。我们不教授戏曲唱腔，而是专注于分析伴奏乐队（如文场与武场）中，如大锣、小锣、月琴等乐器如何通过固定的板式和特定的“点子”（短小的固定乐句）来烘托人物情绪、推动剧情发展。这种功能化的器乐运用，展现了中国音乐极强的实用性和叙事性。 结语：面向未来的对话 《丝竹雅韵》旨在提供一种深度、审视性的视角，去理解中国民族器乐的复杂性和丰富性。它不仅是对历史的回溯，更是对当代器乐实践者和研究者的一次思维挑战——如何在继承这份厚重遗产的同时，以现代的视角和工具，延续这份“丝竹雅韵”的生命力。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名对民族音乐抱有深厚热情的业余爱好者，我最欣赏这本书的开放性和包容性。它并没有将目光局限于某一个特定的流派或地域，而是广泛地采撷了各个主要民族器乐的精髓，并在合奏的语境下，探讨了如何实现不同音色间的和谐共存。这种跨地域、跨风格的整合能力，使得这本书在处理现代民族器乐作品时，展现出极强的适应性。我尝试着用书中学到的理念去分析一些当代民族乐团的演奏，发现很多成功的配器和声部处理，都能在本书的理论框架中找到影子。它提供的不是僵硬的规则，而是一个灵活的、可供探索的思维工具箱。

评分☆☆☆☆☆

这本书在技术层面的深度是毋庸置疑的，但真正让我感到惊喜的是它在“实践指导”上的细致入微。很多教材在提到合奏时，往往只是泛泛而谈“多听他人”或者“注意平衡”。然而，这本书针对常见的器乐组合，详细分析了不同声部在空间感、动态控制上的具体策略，甚至连舞台站位对声场平衡的影响都有所提及。这些“幕后”的知识，对于想要组织小型室内乐团或者参与正规合奏排练的学习者来说，简直是雪中送炭。它帮助我们从一个纯粹的“演奏者”视角，提升到了一个“声音建筑师”的层面，思考如何共同构建一个完美的听觉空间。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，它非常系统且循序渐进地引导学习者进入民族器乐的广阔世界。从最基础的节奏训练开始，到和声概念的引入，再到复杂的复调织体处理，每一步都走得扎实而稳健。我过去尝试过几本其他教材，常常在某个技术难点上卡壳，但这本书的讲解方式非常巧妙，它总能用最直观的方式将复杂的理论拆解开来，配合大量的实例曲目进行佐证，使得学习过程中的“顿悟”时刻大大增加。那种“原来如此”的感觉，是衡量一本优秀教材的重要标准，而这本书在这方面做得非常出色，让人感觉学习的每一步都是在向着大师的方向迈进。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面色彩运用得十分大胆，既有传统水墨的韵味，又不失现代设计的简洁感，拿在手里很有分量。内页的纸张质感也相当不错，印刷清晰，即使是那些复杂的五线谱和指法图，看起来也毫不费力。尤其值得一提的是，书中对乐器介绍部分的配图，简直是艺术品级别的，细致入微地展现了不同民族乐器的精美结构和工艺，让人在学习技法的同时，也能感受到文化的沉淀。这种对细节的关注，体现了编者对读者体验的重视。我感觉它不仅仅是一本教材，更像是一部集知识性、艺术性和收藏价值于一体的精美画册，让人爱不释手。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是“学习”，不如说是经历了一场深入的“田野考察”。作者在撰写过程中，显然投入了大量精力进行文献梳理和一线实践的验证。书中穿插的那些关于乐曲背景、创作意图的小故事和轶闻，极大地丰富了音乐的内涵，让那些原本可能显得枯燥的练习曲变得生动起来，充满了人文关怀。我发现，当你理解了乐曲背后的历史脉络和情感寄托后，演奏时自然而然地就会带上更深层次的理解和表现力。这对于希望提升演奏“神韵”的演奏者来说，是无价之宝，远超纯粹的技术指导。