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房晓敏 著

图书标签:

• 流行歌曲
• 歌曲创作
• 音乐制作
• 编曲
• 作词
• 音乐理论
• 流行音乐
• 音乐教学
• 歌曲结构
• 和弦进行

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806924488

版次：1

商品编码：11379796

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-09-01

用纸：胶版纸

页数：200

正文语种：中文

内容简介

　　《流行歌曲创作实用教程》是为广大的专业音乐工作者与业余音乐爱好者而编写的一部“雅俗共赏、学术性与实用性兼顾”的通俗教材，用作星海音乐学院的必修课教材和选修课教材。
　　全书共十章，各章节相对独立。为了便于读者自学，可根据实际情况的需要来安排具体的阅读内容，不必按照《流行歌曲创作实用教程》的章节顺序进行。因此，作为专业音乐工作者在阅读此书时，可侧重于学术性的通篇游览；而作为业余音乐爱好者在阅读此书时，可侧重于实用性的选择游览，尤其是初学者更应如此。

内页插图

目录

作者简介
自序

第一章 音域划分
一、美声唱法的音域
1.关声女高音的音域
2.美声女中音的音域
3.美声男高音的音域
4.关声男中音的音域
二、民族唱法的音域
1.民族女高音的音域
2.民族男高音的音域
三、通俗唱法的音域
1.通俗女高音的音域
2.通俗女中音的音域
3.通俗女低音的音域
4.通俗男高音的音域
5.通俗男中音的音域
四、童声唱法的音域
1.童高音的音域
2.童低音的音域

第二章 演唱形式
一、独立演唱形式
1.单声部演唱形式
2.多声部演唱形式
二、不独立演唱形式
1.领唱
2.轮唱
3.伴唱
三、复合演唱形式
1.独立复合型演唱形式
2.不独立复合型演唱形式
四、混合演唱形式
1.单声部混合型演唱形式
2.单声与多声部混合型演唱形式
五、交替演唱形式
1.复合交替型
2.混合交替型
六、交错演唱形式
1.复合交错型
2.混合交错型

第三章 旋律进行
一、同音反复
二、级进
1.斜线级进
2.曲线级进
三、跳进
1.小别b
2.大跳
四、混合进行
1.同级型混进
2.同跳型混进
3.级跳型混进
4.同级跳型混进

第四章 调式特性
一、调式风格
1.大小调式
2.教会调式
3.民族调式
二、调式色彩
1.阳性调式
2.阴性调式
三、调式转换
1.同宫异主型调式转换
2.同宫同主型调式转换
3.异宫同主型调式转换
4.异宫异主型调式转换

第五章 节奏类型
一、单纯节奏型
……
第六章 节拍样式
第七章 音乐速度
第八章 曲式结构
第九章 主题发展
第十章 实例分析

前言/序言

《诗歌的内在律动：从格律到意象的精微雕琢》 内容简介 本书深入探讨了诗歌创作的内在机制与外在表现形式，旨在为追求更高艺术成就的写作者提供一套系统而精微的训练路径。我们不关注流行音乐的结构，而是将焦点完全投向古典与现代诗歌的精致工艺，探究如何将语言的原子转化为永恒的意象。 全书共分五大部分，层层递进，从最基础的音韵结构入手，逐步深入到复杂的情感表达与哲学思辨。 第一部分：音韵的骨骼——格律与节奏的建筑学 本部分聚焦于诗歌的“形”与“声”。我们将彻底摒弃现代口语化的叙事倾向，转而钻研格律诗的严密结构。 韵部的精确选择与控制： 详细剖析汉语中古韵、今韵体系的演变，以及不同韵部所携带的特定情感色彩（如平水韵的宽厚、词林正韵的典雅）。我们通过大量的宋词、唐诗范例，展示如何利用入声字、喉塞音的运用，来营造出磅礴的气势或幽微的回响。 平仄的张力与平衡： 深入解析近体诗中“二四六分明”、“粘对”等核心规则的内在逻辑。这并非机械的对仗，而是声音的辩证法。我们将分析“孤平”、“三仄尾”等特殊处理方式下，诗人如何在格律的约束中实现情感的爆发。例如，探讨杜甫的沉郁顿挫是如何通过对平仄交替的精妙把握来实现的。 自由诗中的内在节奏： 即使是打破传统格律的现代诗，也拥有其独特的“内在律动”。本章将分析艾略特的跳跃式断句、庞德的句法切割，如何构建出一种与现代生活节奏相符的视觉与听觉节奏。我们将教授如何通过控制句子的长度、语气的停顿，来模拟呼吸的起伏，从而引导读者的心跳与诗句同步。 第二部分：意象的炼金术——感官的重构与通感 诗歌的生命力在于其意象的不可替代性。本部分致力于将模糊的感受转化为清晰、有质感的画面和体验。 感官的交叉激活（通感）： 探讨如何使听觉、视觉、嗅觉、味觉、触觉之间产生奇特的连接。例如，如何描述“冰冷的蓝色的声音”，或“干燥的甜美的光线”。我们将参照象征主义大师的技法，教授如何打破常规的感官对应，创造出令人震撼的新鲜感。 核心意象的提纯与强化： 每一个伟大的诗篇往往围绕一个或几个核心意象展开。本章提供了一套“去芜存菁”的方法论：如何从冗长的描述中抽取出最具概括性和感染力的“关键词”或“符号”，并让其在全诗中进行变奏与回响，直至其成为一个独立于文本之外的文化指征。 陌生化处理（Ostranenie）： 学习如何重新审视日常事物。通过拉远或拉近的视角，改变事物的尺度和光照角度，让读者对熟悉的景象产生疏离感和全新的认知。例如，如何看待一颗钉子、一滴水，使其承载超越其物质属性的重量。 第三部分：叙事与抒情的辩证统一 本部分探讨诗歌中的“情”如何被安放在“事”的框架之中，实现情感的含蓄表达。 “景语即情语”的深度解析： 摒弃直抒胸臆的抒情模式。我们详细分析中国古典诗歌中如何通过对山川、风雨、花木的细致描摹，来间接烘托内心的波澜。重点研究“托物言志”与“借景抒情”的细微差别，以及如何避免描述流于表面。 叙事诗的张力控制： 对于篇幅较长的叙事或哲理诗，关键在于如何分配信息和情感的释放节点。本章教授如何运用“闪回”、“预示”等技巧，在叙事推进中不断埋设情感的伏笔，确保高潮部分的爆发力。 诗性语言的密度与留白： 诗歌不是散文的压缩。我们讨论语言的“密度”——如何用最少的词语承载最大的信息量。更重要的是“留白”的艺术，即作者刻意省略的部分，如何促使读者主动参与到意义的构建过程中，使作品生命力延长。 第四部分：修辞的结构性运用 本部分将修辞技巧视为搭建意义结构的工具，而非单纯的装饰。 隐喻与转喻的哲学深度： 区分简单的比喻和具有哲学穿透力的隐喻。分析如何通过多重隐喻的层层嵌套，构建出复杂的意义网络（如象征主义中的链式隐喻）。转喻（提喻、借代）如何帮助我们实现概念的跳跃和视角的转换。 对偶、反讽与悖论： 探讨对仗在结构上带来的稳定感与哲学上的张力。重点分析反讽在现代诗歌中的运用——如何通过表面的赞美，表达深层的批判，以及如何利用逻辑上的悖论（如“我与我所见的矛盾”）来揭示人性的复杂性。 词汇的陌生化组合： 诗歌的动词和形容词往往是其灵魂所在。本章提供大量练习，指导写作者如何将原本搭配的词语分离，用更具冲击力的方式重新组合，例如“流淌的寂静”、“坚硬的温柔”。 第五部分：诗歌的审阅与自我批判 创作的完成并非终点，而是审视的开始。 自我编辑的冷酷视角： 提供一套严格的自审清单，从韵律的瑕疵到意象的陈旧，逐一排查。重点训练剔除“诗的行话”和“陈词滥调”的能力。 文本的外部回响： 学习如何让同行和非专业读者对诗歌产生真实的反馈。分析哪些部分是叙述过于清晰，哪些部分是跳跃过于突兀，并根据反馈进行针对性的打磨，确保作品在传达自身美学的同时，不失其沟通的有效性。 本书面向所有渴望超越简单抒情、进入诗歌精妙构造领域的严肃写作者。它提供的是技艺的磨砺，而非灵感的催化剂。学习它，意味着你将掌握雕刻语言的凿子与尺规。

评分☆☆☆☆☆

这本《流行歌曲创作实用教程》绝对是市面上难得一见的好教材。它对于初学者来说，提供了非常清晰的学习路径，从零开始，循序渐进，不会让你感到迷茫。而对于已经有一些创作经验的人，它也能提供许多新的视角和更深入的思考。我尤其赞赏书中对“听众心理学”的探讨，它分析了听众在不同情境下的听歌偏好，以及如何通过歌曲的结构和内容来抓住听众的注意力，让他们沉浸在音乐的世界里。这种从受众角度出发的分析，让我的创作变得更加有目的性，也更能理解为什么有些歌曲能成为爆款。书中的“旋律线条设计”部分，提供了多种不同风格的旋律创作技巧，并配以详细的乐谱示例，让我能直观地感受到不同旋律走向带来的情感差异。而且，书中关于“副歌魔力”的分析，让我深刻理解了为何副歌是流行歌曲的灵魂所在，以及如何才能创作出让人过耳不忘的副歌。总而言之，这本书的内容非常扎实，讲解深入浅出，既有理论的深度，又有实践的指导，是一本真正能够帮助你提升歌曲创作能力的宝藏书籍。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本《流行歌曲创作实用教程》的书名非常贴切，它确实是一本能够指导你实际创作的教程。它在保持学术严谨性的同时，又充满了对音乐的热情和对创作者的理解。最让我印象深刻的是，书中对于“情感共鸣”的深度剖析，它不仅讲解了如何在歌词中表达情感，更重要的是，如何通过旋律、节奏、甚至是和声的色彩来放大和传递情感，让听众能够真正地感受到创作者想要表达的情绪。书中的“节奏律动设计”部分，对于我理解歌曲的“groove”有了全新的认识，它让我明白，一个好的节奏不仅仅是鼓点，而是能够贯穿整首歌曲，让它充满生命力的灵魂。而且，这本书还提供了一些关于“跨界融合”的思路，鼓励创作者在不同音乐风格之间寻找灵感，打破界限，创造出更具个性的作品。它不是告诉你“应该怎么写”，而是引导你“去尝试，去发现，去创造”。这本书真的让我感觉，写歌不再是一件遥不可及的事情，而是一门可以通过学习和实践掌握的艺术。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试过一些音乐创作的书，但总觉得要么太理论化，要么太 superficial，达不到我想要的效果。直到我遇到了这本《流行歌曲创作实用教程》，我才找到了真正的“宝藏”。这本书最大的特点在于它的“实用性”体现在每一个章节，每一个例子。它不是那种只讲“是什么”，而是更侧重于“怎么做”。比如，在讲到歌词创作时，它提供了非常具体的“意象构建法”、“情感递进法”，甚至是如何运用比喻和象征来丰富歌词的内涵，这些方法都非常容易上手，并且立刻能看到效果。我尤其喜欢书里关于“结构优化”的章节，它详细讲解了如何通过调整歌曲的段落顺序、节奏变化、以及音乐元素的加入和退出，来保持歌曲的张力和吸引力，防止听众感到疲倦。而且，书中还涉及到了“版权意识”和“作品推广”等方面的内容，这对于想要将自己的作品推向市场的创作者来说，是非常有价值的补充。读完这本书，我感觉自己不仅掌握了创作技巧，更建立了一种创作思维，能够更全面、更系统地去构思和打磨自己的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本《流行歌曲创作实用教程》简直是给所有想写歌却不知从何下手的朋友们量身定做的！我之前总觉得写歌是一件特别玄妙的事情，需要天赋、灵感，还得有深厚的音乐功底。但自从翻开这本书，我才发现原来有这么多切实可行的方法和技巧。它不像那些讲得高高在上的理论书，而是非常接地气，从最基础的和弦进行、旋律构建，到歌词的意象运用、情感表达，都讲得清清楚楚，并且提供了大量生动的例子。书里的案例分析尤其精彩，它会把一首大家耳熟能详的流行歌曲拆解开来，告诉你这首歌为什么能打动人，它的旋律是如何起伏的，歌词又是如何巧妙地描绘场景的。我最喜欢的是它关于“情绪线”和“叙事线”的讲解，让我明白了如何让一首歌不仅有旋律和歌词，更能讲出一个完整的故事，触动听众的心弦。而且，这本书还专门辟出了章节讲如何找到自己的创作风格，以及如何克服创作瓶颈，这对我这种经常卡壳的人来说简直是救星。读完这本书，我真的感觉自己离写出属于自己的歌又近了一大步，迫不及待地想把学到的东西实践到我的创作中去！

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始买这本书是有一些犹豫的，担心它会太偏重理论，枯燥乏味。但实际阅读体验完全超出了我的预期。它以一种非常引人入胜的方式，将复杂的音乐理论融入到实际的歌曲创作流程中。最让我惊喜的是，书中关于“听觉设计”的部分，它详细阐述了如何通过音色的选择、编曲的层次感、甚至人声的处理，来增强歌曲的感染力和听众的代入感。这一点是我之前很少注意到的，但却是流行歌曲成功的关键因素之一。书中还提供了一些非常实用的练习方法，比如“主题联想练习”、“情绪转换练习”，这些小练习都能有效地激发创作灵感，并且帮助我更好地理解和运用书中的概念。我特别欣赏书中那种鼓励探索和创新的精神，它并没有试图给你设定一套僵化的创作模式，而是引导你去发现最适合自己的创作方式。读完之后，我感觉自己对音乐的理解更深了，不再仅仅是听到旋律，而是能从更宏观、更细致的角度去分析一首歌曲的构成和它所传达的情感。这本书的实用性体现在每一个细节，每一个建议都经过了深思熟虑，旨在帮助读者真正地“写出”好歌，而不是仅仅“学习”写歌。

评分☆☆☆☆☆

写的还是比较全面，作为参考书还是可以的

评分☆☆☆☆☆

不错，适用，很给力，都努力学习吧

评分☆☆☆☆☆

挺受用的，写得比较全面，应该可以有参考价值。

评分☆☆☆☆☆

挺受用的，写得比较全面，应该可以有参考价值。

评分☆☆☆☆☆

不错，适用，很给力，都努力学习吧

评分☆☆☆☆☆

不错，适用，很给力，都努力学习吧

评分☆☆☆☆☆

不错，适用，很给力，都努力学习吧

评分☆☆☆☆☆

挺受用的，写得比较全面，应该可以有参考价值。

评分☆☆☆☆☆

挺受用的，写得比较全面，应该可以有参考价值。