非物质文化遗产丛书：荣宝斋木版水印 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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曲刚，姚凤林 著

图书标签:

• 非物质文化遗产
• 木版水印
• 荣宝斋
• 传统工艺
• 民俗文化
• 艺术
• 收藏
• 中国传统艺术
• 文化遗产
• 水印技艺

出版社： 北京美术摄影出版社

ISBN：9787805014753

版次：1

商品编码：11137150

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-05-01

用纸：胶版纸

页数：203

内容简介

荣宝斋能人选非遗项目和“示范基地”，首先，因为“荣宝斋木版水印技艺”自身具有重要的文化价值、历史价值、美学价值。它派生于中国历史悠久的古代文明、古代艺术。《非物质文化遗产丛书：荣宝斋木版水印》记录了中华民族的优秀文化艺术遗产，再现了优秀传统书画艺术的内容和魅力，体现了中国劳动人民和艺术家的审美能力和创造性。其次，是荣宝斋在保护、开发非物质文化遗产方面的努力和贡献得到了上级有关部门的认可。各级政府都很重视这一非遗项目的保护和开发，经常有人参观、访问，多次拨款批地，帮我们解决实际困难。这项非遗技艺不仅得到了原汁原味的保护和继承，而且以此为基础，不断开发出新的产品和服务，以满足社会对文化艺术的需要。

目录

序
序
前言
第一章 雕版书画印刷的源流
第一节 雕版印刷术的萌芽
第二节 雕印书画印刷的发展
第三节 雕印的突破和版画的繁荣
第四节 雕版印刷的衰微
第二章 荣宝斋木版水印
第一节 荣宝斋对中国木版水印的发展
第二节 荣宝斋木版水印的振兴
第三节 荣宝斋木版水印作品综述
第三章 荣宝斋木版水印分版勾描工艺
第一节 分版勾描工序
第二节 研究分版
第三节 勾描
第四节 复描勾版
第四章 荣宝斋木版水印雕刻版面工艺
第一节 材料
第二节 工具
第三节 选版上样
第四节 雕刻
第五节 技法
第五章 荣宝斋木版水印印制工艺
第一节 印制着色工序
第二节 工具设备环境
第三节 印制材料
第四节 调制颜色
第五节 印前准备
第六节 印刷复制
第七节 印刷技法
第六章 荣宝斋木版水印技艺的传承
第一节 中华传统技艺的延续
第一节 富有民族特色的遗产
第二节 传统技艺永远绽放光彩
第三节 荣宝斋木版水印的传承
第四节 荣宝斋历代木版水印传人
第七章 荣宝斋木版水印作品欣赏
后记

前言/序言

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好的，这是一本关于中国古代艺术史的图书的详细简介，内容完全独立于《非物质文化遗产丛书：荣宝斋木版水印》。 --- 书籍简介：烟云与笔墨的交织：宋代山水画的宇宙观与审美意趣 导言：时代的画卷与精神的溯源 本书旨在深入剖析中国艺术史上一个至关重要的转型期——宋代（960-1279年）。宋代，不仅是中国封建社会走向成熟的鼎盛时期，更在思想、哲学、科技与艺术领域取得了辉煌的成就。尤其在绘画领域，宋代山水画超越了早期绘画的叙事与装饰功能，发展成为一种高度成熟、富含哲学思辨与个体情感的艺术形式。 本书将宋代山水画置于其特定的时代背景之下，探讨“天人合一”的宇宙观如何塑造了画家的观察视角，以及儒释道三家思想如何渗透到皴法、构图与墨色的运用之中。我们不将宋代山水视为孤立的技法演变史，而是将其视为一个与社会结构、知识分子精神生活紧密相关的文化现象。通过对这一时期主要流派、代表画家及其代表作品的细致解读，我们试图重构一个完整的宋代山水画的知识体系与审美世界。 第一部：学院的兴盛与院体的规范 第一章：北宋初期的艺术格局与“集大成”的追求 北宋初年，在政治趋于稳定之后，对文化艺术的推崇达到了前所未有的高度。宋徽宗赵佶的“翰林图画院”制度的建立，标志着官方艺术机构对绘画规范的严格确立。本章首先考察院体的形成背景，分析早期院画家如何吸取五代十国时期荆浩、关仝等人的“全景式”山水巨制（如荆浩的《匡庐图》）的遗风，并力图将其规范化、程式化。 重点分析“大景法”的特征，即如何通过高远、深远、平远三种透视法相结合，营造出气势磅礴、法度森严的画面结构。我们关注李成、范宽、许道宁等早期大师，探讨他们如何将现实的山川地貌融入到高度程式化的笔墨语言中，奠定了北宋山水画的“壮美”基调。特别是对范宽《溪山行旅图》的深入剖析，揭示其“巨碑式”的构图与“雨点皴”的独特运用，如何表达一种敬畏自然的崇高感。 第二章：李唐与刘松年的“院体”再造——南宋的转折 靖康之变后，宋室南渡，艺术中心随之南迁。这一时期的山水画，一方面继承了北宋的笔墨传统，另一方面则开始显现出对个体情感和瞬间意境的捕捉。本章聚焦于“南宋四家”：李唐、刘松年、马远、夏圭。 重点分析李唐如何将北方山水的雄浑气势与南方山水的灵动秀美相结合，创立了以“斧劈皴”为代表的刚劲笔法。随后，探讨马远与夏圭对构图的革命性贡献——“边角式”或“一角式”构图。这种构图的出现并非偶然，而是文人哲学中“片刻感悟”与“残山剩水”主题的视觉体现。马远取景的“只可意会，不可言传”，极大地拓展了山水画的意境表现力，标志着宋代山水从全景式向“小中见大”的转变。 第二部：文人的笔墨情怀与“格物致知”的追求 第三章：苏轼与“论画”的理论基石 宋代文人对绘画的介入，是艺术史上的里程碑事件。苏轼是这一理论转向的核心人物。本章梳理苏轼关于“诗中有画，画中有诗”的论断，以及他提出的“论画以形似，见与 শিশু 邻”的观点。苏轼倡导的“意在笔先”和“论画不尚形似，但尚神似”的理论，直接否定了院体对客观物象的过度摹写，强调艺术的内在精神与画家的人格修养。 我们将探讨苏轼如何将文人的学养和审美趣味引入山水画的创作中，为后世的“文人画”理论奠定了理论基础。通过研究米芾父子的“米家山水”，我们能清晰地看到这种理论是如何被付诸实践的——米芾对点苔法和墨法的大胆创新，标志着笔墨语言开始独立于物象本身，成为表达主体精神的媒介。 第四章：水墨的语言：皴法的演变与墨色的哲学 宋代山水画成熟的标志之一，在于其对水墨媒介的极致运用。本章细致考察了不同画家在表现山石、树木、云气时所使用的皴法，并将其与哲学思辨联系起来。 我们将对比北宋范宽的“雨点皴”（表现坚硬、厚重的岩石）、李唐的“斧劈皴”（表现切割的力量感）和南宋的“披麻皴”（倾向于表现湿润、松动的肌理）。这些皴法不再仅仅是描绘物体的技法，而是画家精神状态的外化。更重要的是，我们深入研究了墨色的层次变化——焦、浓、重、淡、清。水墨的“五色”变化，体现了宋代士大夫对世间万物复杂性与微妙性的体察，是“格物致知”在视觉艺术中的具体投射。 第三部：意境的营造与精神的栖居 第五章：空间处理中的宇宙意识 宋代山水画的空间处理，深受宋代理学中对“理”的探讨影响。本章侧重于分析宋画如何处理画面中的虚实关系。北方山水的“满”与南方山水的“空”，构成了宋代美学的重要张力。 我们分析了如何通过对前景、中景和远景的刻意省略，来制造无限的纵深感。例如，云雾的运用，不仅是气候的写实，更是“有”与“无”辩证关系的体现，它模糊了实体与虚体的界限，邀请观者进入一个可游、可居的精神空间。这种空间处理，反映了宋代知识分子在面对外在政治困境时，转向内在精神家园的文化倾向。 第六章：人与自然的对话：从“主宰者”到“观察者” 在唐代山水画中，人常被描绘成高大的形象，暗示着人类的主导地位。然而，在宋代山水画中，人（如担柴者、渔夫、行者）的形象被大幅缩小，甚至完全隐去。本章探讨了这种比例的变化，它象征着宋代知识分子对自身在浩瀚宇宙中位置的重新定位——从试图主宰自然，转变为谦卑的观察者和体悟者。 这种“小我”与“大我”的关系构建，是宋代“天人合一”哲学在视觉上的终极表达。山水不再仅仅是背景，而是承载画家全部精神寄托的“心灵景观”。 结语：宋画遗产与后世回响 本书最后总结了宋代山水画在中国艺术史上的地位，强调其在笔墨技法、理论建构和审美范式上对元、明、清乃至近现代中国画产生的决定性影响。宋画确立的“以神韵为主”的艺术标准，成为后世中国艺术批评与创作的不朽圭臬。 通过对这一时期的系统梳理，读者将能够超越对单纯技法的欣赏，真正领略宋代山水画中蕴含的深邃哲学思辨与典雅的文人情怀。 --- 【附录】 书中包含大量高清的宋代山水画高清图版，并附有历代重要画论摘录，以及主要画家风格演变的图例分析。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对传统工艺的了解一直停留在“听说过”的阶段，直到接触了这本丛书的另一本，才真正领略到什么是“工匠精神”的极致体现。这本书的讲述方式非常独特，它没有过多使用晦涩难懂的专业术语，而是通过大量的实物对比图和步骤分解图，将复杂的雕刻和印刷过程拆解得清晰明了。我特别留意了其中对于“水印”这一核心概念的阐释。那种用特制纸张、配合天然矿物颜料，层层叠加，直至色彩饱满、层次丰富的效果，简直是化腐朽为神奇。书中选取的一些经典画作，比如对清代名家大幅作品的复刻，其墨色的层次感，即便是高清数码印刷也难以企及。那种温润的、富有“呼吸感”的纸面，是任何现代技术都无法模拟的“温度”。它让我开始重新审视那些我们习以为常的印刷品，理解了为什么手工制作的物件总是多了一份难以言喻的灵魂。这本书像一把钥匙，打开了我通往古代审美和制作哲学的大门，让我对中国传统艺术的深度和广度有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大感受是“慢下来的美学”。在信息爆炸的今天，我们习惯了即时满足和快速消费，而荣宝斋木版水印恰恰代表了与这种潮流背道而驰的一种坚守——对时间的尊重。从原稿的绘制、雕刻师对木板的细致打磨，到印刷工匠们对颜料和水份的反复调试，每一步都耗费了巨大的心力与时间成本。书中那些特写镜头，清晰地展示了木版上雕刻出的细密线条，那些线条的深度和角度，直接决定了最终印出的墨色深浅和肌理变化。这种“以时间换取深度”的理念，在书中得到了完美的体现。翻阅这本书的过程，本身就是一种对“慢工出细活”的致敬仪式。它让我开始反思我们对待生活的态度：是不是因为我们追求得太快，反而错过了那些藏在细节深处的、真正经得起时间考验的美好事物？这本书，无疑是我今年收到的最好的关于中国传统美学的精神食粮。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，好的艺术书籍应该具备一种引导性，能够激发读者的创作欲望或者至少是深入探究的兴趣。这本书做到了。它以一种近乎学术研究的严谨性，对木版水印的材料学、工具论、乃至光影处理技术进行了详尽的剖析，但叙述的语言却保持了高度的可读性。特别是关于“水印的层次与肌理”那一章节，作者对不同水印技法如何影响最终画面质感的分析，精妙绝伦。例如，如何通过控制水印的力度和水分，来模拟宣纸在水墨晕染时自然产生的“洇边”效果，这是机器绝对无法复制的微妙之处。书中配图的清晰度和色彩还原度极高，使得读者即使没有实物在手，也能“看”出那份细微的差别。它提供了一个极佳的参考样本，对于学习国画或者设计领域的专业人士来说，无疑是一本极具参考价值的工具书。它没有故作高深，而是用最朴实的方式，传授了最深奥的艺术原理。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，远超乎一本艺术图册的范畴，它更像是一部活态的文化纪录片。我最欣赏的地方在于，它不仅仅罗列了精美的成品图，更注重挖掘了背后的人文故事和历史背景。例如，它穿插介绍了参与制作的那些老匠人的访谈片段，字里行间透露出的那种对技艺传承的焦虑与坚守，非常打动人心。他们对每一把刻刀的脾气了如指掌，对每一寸纸张的吸水性拿捏得恰到好处，这种经验的积累，是靠年复一年、日复一日的枯坐和琢磨才能得来的。书中对于不同历史时期，荣宝斋在适应时代变化中所做的调整也有所涉及，这使得整本书的内容更加立体和丰满，避免了将传统工艺“博物馆化”的风险。它展示了非遗如何在新时代找到了生存之道，如何与现代审美进行对话，而不是固步自封。读罢此书，我不仅为古代的精湛技艺感到骄傲，更为当代匠人们的努力感到由衷的敬佩。

评分☆☆☆☆☆

这本关于荣宝斋木版水印的画册，简直是艺术爱好者的一场视觉盛宴。甫一翻开，那些细腻到发丝的纹理、层层叠叠的色彩过渡，就让人不禁赞叹古老技艺的生命力。我尤其欣赏其中对“套色”工艺的深入展示，每一笔的套印都精准得令人咋舌，仿佛时间在那个瞬间凝固，定格了匠人一生的心血。那些对传统山水画的再现，无论是墨色的洇染还是留白的意境，都通过木版水印这种独特媒介获得了新的生命力。它不仅仅是复制，更是一种再创造。那些花鸟图，更是栩栩如生，光是看着那些松针的质感，我就能想象雕刻师手中刻刀的每一次起落，那种对细节的执着，在如今这个追求效率的时代，显得尤为珍贵和震撼。这本书的装帧设计也十分考究，纸张的选择和印刷的精度，都体现了出版方对“非遗”的敬畏之心。读完后，我感觉自己仿佛走进了一个宁静的画室，亲历了一次传统的洗礼。它成功地将一项近乎失传的工艺，以一种如此直观、精美的方式呈现在现代读者面前，这份贡献是无法用金钱衡量的。

评分☆☆☆☆☆

活动时候入手价格稍微便宜点

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版式考究，纸张高档，很好看！！！

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活动时候入手价格稍微便宜点

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评分☆☆☆☆☆

书不厚，内容不多，比较简略，初步了解下还行吧。

评分☆☆☆☆☆

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