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侯吉谅著 著

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出版社： 中信出版社

ISBN：9787508656014

商品编码：10172745423

出版时间：2016-03-01

作  者:侯吉谅 著 定  价:42 出 版 社:中信出版社 出版日期:2016年03月01日 页  数:226 装  帧:平装 ISBN:9787508656014 ●篇
●纸上太极
●一、 磨墨写字
●二、 泡笔精心
●三、 笔下含情
●四、 纸上太极
●书法如道
●一、 定静生慧
●二、 潜移默化
●三、 传道授业
●墨说从头
●一、 初学书法初磨墨
●二、 故宫的墨
●三、 江老师的墨
●四、 王国财研究墨
●五、 诗砚斋墨
●墨韵穿越
●一、 墨的穿越
●二、 墨分五色
●三、 墨的韵味
●部分目录

内容简介

本书是侯吉谅先生靠前本以书法为主题的散文集，用较为感性的文学性笔法，让读者更易于理解书法的种种境界，进而提笔写字，体会流淌在笔墨之中灵动气韵、奥妙境界。从一张纸、到一首诗、到一件书法， 一本书用书法看尽人间百态。即使没有书法经验的人们，在作者的美文之中也能感受到书法之美。
侯吉谅先生书法普及的书，在海峡两岸三地都获得很大的回响，无论是书法爱好者还是对中国传统文化感兴趣的人群，都可以从他的书中感受到书法的美感与快乐。
侯吉谅 著 侯吉谅，福建南安人，出生台湾地区嘉义。他是诗人、画家，同时擅长书法、篆刻及散文创作。师承前台北故宫副院长江兆申先生。  已在台湾地区、美国、日本等地举办过数十次书画展。2004年受邀赴华盛顿展览，同时应邀至美国、马里兰大学演讲并示范。

翰墨风华：中国传统书画的审美意境与技法精粹 【图书简介】 本书旨在深入探讨中国传统书画艺术的博大精深，聚焦于其背后的哲学思想、审美情趣以及核心技法体系。它并非仅仅是一部技法教程，更是一部引导读者进入东方艺术精神世界的导览手册，力求全面展现中国书画艺术穿越千年而不衰的独特魅力。 第一部：笔墨之源——中国书画的哲学根基与美学思想 本部分将溯源中国书画艺术的文化土壤，解析其与儒、释、道思想的深刻关联。 第一章：天人合一的宇宙观与画理 道法自然与写意精神： 阐述中国画“以形写神”的核心理念，探讨如何在画面中捕捉自然万物的生命韵律，而非简单模仿外在形态。分析“气韵生动”的审美标准，并结合古代重要画论（如顾恺之的“以形写神”和谢赫的“六法”）进行深入解读。 虚实相生的空间布局： 详细剖析中国画独特的“三远法”（高远、深远、平远）在构建空间感上的巧妙运用，以及“计白当黑”的处理手法如何营造无限的意境和呼吸感。探讨留白不仅是空间的处理，更是东方哲学中“虚”与“实”、“有”与“无”辩证关系的视觉体现。 五行与色彩的象征： 考察中国传统绘画中对色彩的运用并非单纯的物理模拟，而是融入了五行学说（金、木、水、火、土）的象征意义，以及不同颜色在传统审美体系中所代表的寓意与情感基调。 第二章：文人气质与书卷气 书画同源的内在逻辑： 深入论证书法对绘画的决定性影响。探讨线条的“骨法用笔”如何成为中国画造型与表现力的基础。分析书法中的“笔力”、“筋骨”如何转化为绘画中的结构力量。 士人阶层的审美取向： 聚焦宋代以后文人画的兴起，探讨其对“趣味”、“性情”的追求，以及如何通过诗、书、画、印的有机结合（“四绝”）来表达个人学养与胸襟。剖析“逸品”概念在书画审美中的地位。 诗意的栖居： 探讨诗歌入画的多种形式，包括题跋、题款的文学性与艺术性。分析画面内容如何与古典诗词相互阐发，共同构建一个多维度的审美场域。 第二部：笔墨的语言——书法的结构、气势与传承 本部分将聚焦于书法艺术的本体语言，剖析不同书体的演变脉络与独特的表现力。 第三章：篆隶楷的沉稳与规矩 篆书的古拙之美： 追溯甲骨文、金文至小篆的演变历程，分析篆书的线条均匀、结构对称所蕴含的庄重与古朴，重点讲解大篆（如石鼓文）的雄浑气势。 隶书的波磔与开张： 详细讲解汉隶的“蚕头燕尾”特征，以及隶书从篆书向今体演变过程中的结构简化与笔法解放，探讨其在隶变中对后世楷书的影响。 楷书的典范与法度： 深入解析欧阳询、颜真卿、柳公权等大家楷书的风格异趣，强调楷书在结构上的严谨性、间架上的精确性，以及如何通过笔画的提按顿挫来体现内在的精气神。 第四章：行草的流动与性情 行书的实用与艺术的平衡： 探讨行书作为介于楷书和草书之间的书体，如何实现速度感与可辨识度的完美结合。重点分析王羲之《兰亭集序》的“遒媚”与苏轼行书的“丰腴”中的用笔差异。 章草与今草的飞扬： 辨析章草的连属与今草的缠绵。着重分析怀素的“狂草”如何通过大开大合的线条和一气呵成的气势，表达强烈的内在情感波动。探讨草书的“识”与“意”之间的张力。 通篇布局的节奏感： 探讨在整篇作品中，如何通过墨色的浓淡变化、字距的疏密处理以及行间的欹侧对比，来构建跌宕起伏的音乐性节奏。 第三部：水墨的境界——中国画的核心技法与门类 本部分系统梳理中国画的主要画科及其技法精髓，强调技法服务于意境的原则。 第五章：山水画的胸襟与气象 皴法的体系与应用： 详细分类解析披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、云头皴等主流皴法，说明不同皴法对应于表现不同地域和岩石质感的原理。 点苔与界画的辅助： 讲解点苔（苔点）在增强山石肌理、渲染湿润气氛中的作用。同时，介绍界画在表现建筑结构上的严谨性，及其在传统山水画中的地位。 大师的山水观： 对比董源的“源洁沉静”、范宽的“雄伟屹立”和倪瓒的“萧疏简淡”，分析不同流派如何通过对笔墨和构图的选择来表达独特的山水情怀。 第六章：花鸟人物的精微与传神 花鸟画的写生与写意： 区分工笔花鸟（如双勾设色）与写意花鸟。深入分析“墨分五色”在表现花卉的微妙光泽和叶片的向背时的运用。探讨“借物言志”的传统，如梅兰竹菊的象征意义。 人物画的“传神”之道： 探讨顾恺之“传神论”在人物画中的实践，分析衣纹的“十八描”技法如何勾勒人物的性格和动态。重点分析魏晋风度与盛唐气象在人物画中的不同表现手法。 水墨人物的意境拓展： 考察李公麟的白描以及文人水墨人物画，如何用极简的线条和人物的瞬间神态，来暗示复杂的人物关系和故事情节。 结语：当代传承与艺术的生命力 总结中国书画艺术在当代社会中的价值重估，强调其在东方生活美学中的持久影响力，并鼓励学习者在掌握传统的基础上，探索个体化的笔墨语言。本书旨在为有志于深入了解和学习中国书画的爱好者提供一条清晰而深刻的探索之路。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，起初我对这种带有浓厚“生活哲学”色彩的解读是抱有一丝怀疑的，毕竟我对传统技法上的提升有着更迫切的期待。然而，这本书的魅力就在于它的“不着痕迹”。它从不直接告诉你“你应该这样运笔”，而是通过大量的场景重现和个人感悟，让你自己得出结论。比如，书中有一段对古代书家在寒冬腊月里如何保持笔锋的描绘，那种环境的艰苦与内在精神的专注形成了强烈的张力。作者没有直接评价这种精神的伟大，而是用近乎文学散文的笔法，将那种“冷到麻木却依然能感知到毫端细微颤动”的体验感传达到了读者心中。这种沉浸式的体验，比任何一本教科书上的理论都来得更有力量。它教会我的不是如何写得“像”，而是如何在一个特定的情境下，将自己的全部生命力倾注于那一刻的“存在”。这种对“当下”的极致捕捉，才是真正的美学核心，它让我的临帖过程从机械重复，变成了一种对生命瞬间的捕捉和凝固。

评分☆☆☆☆☆

这本书，坦白说，刚翻开的时候我其实有点摸不着头脑。它不像我通常期待的那种，上来就给你一堆严格的技法指导，或者堆砌着晦涩难懂的古代典籍原文。恰恰相反，它像是一位老友在闲谈，用一种极其舒缓、甚至可以说是有点“散漫”的语调，将我们带入了一个全新的视角。我记得其中有一章专门讲了“慢”这个概念，作者没有直接谈论笔画的快慢，而是将“慢”与日常生活的节奏联系起来。比如，他描述了清晨在庭院里观察露水滑落的过程，以及如何将这种细致入微的观察力迁移到对墨色变化的处理上。那种感觉，不是在学一门手艺，而是在重新校准自己感知世界的方式。读到这里，我忍不住停下来，放下手中的毛笔，走到窗边，学着书里的描述，尝试去“看”阳光是如何穿过树叶的缝隙，在地上投下斑驳的光影。这种审美上的渗透是润物细无声的，它不急着让你写出“惊世骇俗”的作品，而是引导你去发掘，原来我们生活的每一个瞬间，都蕴含着可以被转化为艺术语言的微妙韵律和质感。它成功地将“美学”这个宏大的词汇，拆解成了可以触摸、可以感受的日常细节，这才是最难能可贵的。

评分☆☆☆☆☆

读完此书，我最大的感受是，它成功地将“审美”从一种精英化的追求，拉回到了人人可及的日常生活土壤中。作者的文字功底深厚，但丝毫没有故作高深，反而充满了烟火气。他会用非常口语化的方式，去探讨一个非常深奥的传统问题，比如如何看待“不完美”。他没有回避书法中必然出现的败笔或失误，而是将这些“错误”视为生命体验的真实印记，是时间在作品上留下的不可磨灭的痕迹。这种对“瑕疵”的接纳和赞美，极大地释放了我作为学习者的焦虑感。我不再拼命追求那种冰冷、完美的复刻，而是开始学着去欣赏自己笔触中那些无意流露出的个人特质。这本书像一面镜子，照见的不是别人家的风雅，而是我们自己如何能活得更诗意、更专注。它最终让我明白，书法不是目的，它只是一种高雅的方式，让我们得以更深情地过好每一天。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构之精妙，令人拍案叫绝。它像是用一条看不见的线索，串联起了看似毫不相干的领域——从建筑的飞檐翘角到茶道的行云流水，再到诗词的格律对仗，无一不被拉入到“书法生活美学”的宏大叙事中。它成功地打破了书法被局限在书房案头的那种刻板印象。我尤其欣赏它对“留白”概念的延展性解读。在书法中，留白是空间艺术；在生活中，它被解读为“空隙”和“间歇”。作者探讨了如何在密集的日程中，刻意地为自己创造出“无所事事”的时间，并将这种“虚空”视为灵感和创造力的温床。这种将抽象的艺术概念转化为可执行的生活策略的能力，是这本书最让我感到惊喜的地方。它让我意识到，我并非没有时间去追求美，而是我把所有时间都填满了，没有为美预留“空地”。这种由内而外的启发，比单纯学习如何处理墨痕的浓淡更具颠覆性，因为它重塑了我对时间分配和空间利用的看法。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏和内在逻辑，简直像是一首结构复杂但又浑然天成的交响乐，每一个篇章都不是孤立存在的，而是层层递进，相互呼应。最让我印象深刻的是它对“器物”与“心性”之间关系的探讨。它没有停留在简单地赞美古人的笔、砚、纸张，而是深入挖掘了这些工具在古代文人精神生活中的“在场感”。比如，作者花了大量篇幅去描绘一张陈旧的宣纸在被反复使用后，其纤维结构如何记录了书写者的情绪波动，那种纸张的“性格”是如何反过来影响后续书写者的心境的。这种双向互动的描述，让我开始重新审视自己手头那些光洁如新的文房用品，它们似乎缺少了那种经过时间洗礼的“人情味”。更进一步，作者巧妙地将这种对物质的尊重，延伸到了对自然材料的敬畏，他谈到了竹子如何因地气而生成不同的韧性，墨锭如何因为研磨的水温而呈现出不同的光泽。这哪里是一本关于书法的书？这分明是一本关于如何与我们周围的世界建立深度连接的哲学指南。读完后，我出门买砚台的脚步都变得更加郑重了，仿佛在挑选一个能陪伴我多年的老友。